Op arti është në modë. Stili op-art në veshje. Tendenca drejt minimalizmit dhe simboli kryesor i dekadës

Op art(nga koncepti anglez i artit optik) - krijimi i iluzionit të lëvizjes në një sipërfaqe të sheshtë përmes formave gjeometrike. Kur krijohen rroba në stilin op-art, përdoren ngjyra të ndezura që kontrastojnë me njëra-tjetrën.

Historia e paraqitjes

Në vitin 1938, Victor Vasarely prezantoi pikturën e tij "Zebra", e cila u bë vepra e parë e kultit në stilin e op artit. Në të njëjtën kohë, për herë të parë, gjeoprinti i ri u përdor në çantat e shtëpisë së modës Hermes, por stili fitoi popullaritet përfundimtar vetëm në vitin 1965, kur veprat në të u prezantuan në Nju Jork në ekspozitën "The Responsive". Syri".

Në të njëjtën kohë, Yves Saint Laurent e ktheu vëmendjen e tij në printimin gjeometrik, i cili lëshoi një koleksion fustanesh koktej me një siluetë të drejtë me qeliza të mëdha të ndritshme. Këto fustane kishin prerjen më të zakonshme dhe të thjeshtë pa mëngë dhe jakë. Emri i fustanit ishte për nder të frymëzuesit - "Modrian".

Couturier-i i madh u pasua nga: krijuesja e minifundeve Mary Quant, Larry Aldrich, Andre Courrège - të gjithë lëshuan fustane dhe aksesorë me stampa dhe forma të pazakonta gjeometrike në stilin op art. Njëkohësisht me publikimin e koleksioneve të këtyre stilistëve, revistat e modës filluan të printojnë në faqet e tyre foto me rroba me modele katrorësh, trekëndëshash dhe rombesh. Shtypja gjeometrike në variacione të ndryshme u njoh si një simbol i dekadës.

Në vitin 2001 pati një ringjallje të këtij printimi. Op-art në rroba u shfaq në faqet e Vogue francez. Dhjetë vjet më vonë, stilistët filluan ta përdorin masivisht këtë stil në veshje. Fustanet me modele gjeometrike u prezantuan nga të gjitha shtëpitë kryesore të modës, dhe stilistët e modës që punonin nën markën Louis Vuitton, qëndisnin fustane madje edhe me gurë shumëngjyrësh.

Me çfarë dhe si të vishni rrobat e artit?

Mënyra më e mirë për t'u dukur me stil është të kombinoni op artin në veshje me veshjet e thjeshta. Kështu që ju patjetër nuk e mbingarkoni imazhin tuaj me printime dhe ngjyra aktive.

Nëse keni një sens stili të zhvilluar natyrshëm, atëherë mund të përzieni me zgjuarsi printime të ndryshme gjeometrike në një pamje ose të vishni veshje op-art së bashku me motive me lule, orientale dhe kafshë. Nëse dëshironi të krijoni një pamje trendi me dy gjeoprinte, atëherë zbatoni rregullin e një ngjyre: të dy artikujt në gardërobë duhet të kenë të paktën një nuancë të përbashkët.

Vizualisht, rroba të tilla mund të fshehin pothuajse çdo të metë të figurës, të zgjasin siluetën dhe të heqin vëllimet e tepërta. Sa më e thjeshtë të jetë e përshtatur gjëja, aq më mirë do të duket. Kur zgjidhni veshje op-art, kërkohet një montim i detyrueshëm. Me ndihmën e tij, ju mund të vlerësoni se sa mirë duket imazhi.

Op arti (ose arti optik) është një trend i abstraksionizmit, objekti kryesor i të cilit janë iluzionet optike të krijuara për të mashtruar syrin e shikuesit. Ky trend është i lidhur ngushtë me kinetizmin - një prirje në artin bashkëkohor që fokusohet në krijimin e lëvizjes ose iluzionin e saj.

Op arti përdor kryesisht figura gjeometrike të renditura në një projeksion të qartë matematikor në mënyrë që të krijojë iluzionin e lëvizjes, thellësisë ose dridhjes. Punimet e para në këtë drejtim u krijuan duke përdorur një gamë akromatike ngjyrash (e bardhë, e zezë dhe gri), e cila bëri të mundur arritjen e kontrastit perfekt.

Në përgjithësi pranohet se themeluesi i lëvizjes është artisti kinetik francez Victor Vasarely. Op arti lidhet gjithashtu me ekspresionizmin abstrakt, kubizmin dhe dadaizmin.

Konteksti historik

Për shumë shekuj, artistët kanë qenë të interesuar në teorinë e perceptimit të ngjyrës, formës dhe perspektivës. Për të përmirësuar teknikën e pikturës, mjeshtrit filluan të studiojnë efektet optike dhe iluzionet. Specifikimi i perceptimit vizual u bë baza e impresionizmit, dhe interesi për format gjeometrike hodhi themelet për kubizmin.

Nga mesi i shekullit të 20-të, të gjitha këto interesa, të nxitura nga zhvillimi i psikologjisë dhe përparimi i paparë teknologjik, rezultuan në një prirje të re. Kryeveprat e artit optik krijohen nga forma abstrakte në kontrast të plotë me sfondin, duke prodhuar kështu efekte që janë konfuze dhe stimuluese. perceptimi vizual spektatorë.

Ekspozitat e para tërhoqën vëmendjen e një publiku të gjerë ndërkombëtar. Shumë vizitorë mendonin se op arti ishte drejtimi ideal i artit bota moderne me arritjet e tij të reja në inxhinieri, psikologji, mjekësi, teknologji dixhitale dhe televizive.

Historia e shfaqjes së artit optik

Termi "op art" u përdor për herë të parë nga artisti dhe shkrimtari Donald Judd në një përmbledhje kritike të ekspozitës "Pikturat optike" të Julian Stanczyk. Emri i ri u zgjodh shpejt nga Times - një artikull kushtuar të njëjtës ekspozitë më në fund forcoi artin optik si një drejtim më vete dhe i dha një emër të këndshëm.

Përkundër faktit se rrënjët e këtij trendi mund të gjurmohen në teoritë e para të perceptimit të ngjyrave, op arti modern u ngrit nën ndikimin e punës së Victor Vasarely, i cili ishte një nga të parët që studioi iluzionet optike që lindin kur shifrat janë të rregulluar në pëlhurë në një mënyrë të caktuar.

Syri i përgjegjshëm - kulmi i artit optik

Në mesin e shekullit të 20-të, një seri ekspozitash ndërkombëtare tërhoqën vëmendjen ndaj veprave në një stil të tillë si op arti. Vasarely dhe idetë e tij interesuan jo vetëm publikun, por edhe artistë të tjerë që panë në iluzionet optike një përzierje të artit tradicional dhe mundësive dhe interesave moderne. Në vitin 1965 në Muzeun e famshëm të Nju Jorkut Art Bashkëkohor(MoMA) mbajti një ekspozitë të quajtur Syri i Përgjegjshëm. Ndër 123 ekspozitat e paraqitura nuk ishin vetëm veprat e Vasarely, por shumë përfaqësues të tjerë të op artit patën mundësinë t'i tregojnë publikut iluzionet e tyre optike. Midis tyre ishin artistë si Bridget Riley, Frank Stella, Carlos Cruz-Sharp dhe Jesús Rafael Soto.

Ideja e përgjithshme e artit optik

Përfaqësuesit e op artit u interesuan për mundësitë e syrit të njeriut dhe perceptimi vizual, kjo është arsyeja pse ata krijuan kompozime të ndryshme, duke lejuar të eksplorojnë fenomenet e perceptimit optik dhe reagimin e audiencës. Efekte të tilla si shtrembërimi i kombinuar, shkëlqimi verbues dhe imazhet e mëvonshme përdorin një rregullim të llogaritur me kujdes të formave, ngjyrave, shkëlqimit dhe kontrastit për të stimuluar syrin e njeriut.

Në thelb, artistët e op artit përdorën një gamë akromatike, duke argumentuar se sa më i fortë të jetë kontrasti, aq më i qartë është iluzioni. Pa përdorimin e kontureve në kanavacat bardh e zi, është më e vështirë të përcaktohet se cila ngjyrë është sfondi. Megjithatë, ngjyra është bërë shpesh një mjet për krijimin e iluzioneve optike, pasi nuancat e ndryshme i shtojnë thellësi një imazhi, ashtu si kontrasti midis nuancave me intensitet të ndryshëm ofron mundësi të reja për eksperimentim.

Pavarësisht efekteve të çuditshme dhe të papritura, op arti është plotësisht në përputhje me kanonet e artit të lartë, pasi të gjitha pikturat klasike përdorin iluzionin e thellësisë dhe imazhit hapësinor. Arti optik zgjeron iluzionin tradicional, duke u mbështetur në rregullat psikologjike të perceptimit vizual.

Si krijohen iluzionet optike

Arti optik (op art) si një lëvizje e veçantë mbështetet në lidhjen fiziologjike dhe psikologjike midis organit të shikimit (syrit) dhe organit të perceptimit (trurit dhe sistemi nervor). Disa modele dhe kompozime gjeometrike mund të shkaktojnë mosmarrëveshje midis këtyre dy organeve, duke krijuar kështu efekte dhe iluzione optike irracionale.

Këto efekte mund të ndahen në dy kategori kryesore:

Iluzioni i lëvizjes shkaktohet nga rregullimi specifik i formave gjeometrike të kundërta. Efekti i lëvizjes së perceptuar është më i lehtë për t'u krijuar duke përdorur një gamë bardh e zi.
Pasimazhet bëjnë që truri të mbajë një imazh dhe ta projektojë atë në një sipërfaqe të zbrazët menjëherë pasi syri i shikuesit largohet nga objekti i artit. Ky efekt krijohet duke përdorur ngjyra shumë të ndritshme dhe të kundërta.

Op arti në art

Kritikët besojnë se rrënjët e artit optik vijnë nga abstraksionizmi gjeometrik, i cili ishte gjithashtu produkt i një bote të re dhe që ndryshon me shpejtësi. Megjithatë, tendenca për t'u fokusuar në mënyrë strikte në efektet vizuale dhe perceptuese sugjeron më tepër se idetë e mjeshtrave barok patën një ndikim më të madh në stilin Op Art, i cili më pas u kombinua në një teknikë të quajtur "trompe-l'oeil" (trompe-l' oeil). Quhet gjithashtu perspektiva e zgjeruar ose pengesë.

Përfaqësuesit e artit optik nuk u dalluan nga një impuls i vetëm ideologjik. Disa prej tyre krijuan iluzione perceptuese si një eksperiment mbi perceptimin njerëzor, të tjerët u përpoqën të sillnin artin tek masat, duke krijuar projekte të reja, interesante dhe stimuluese. Shumë artistë që krijuan kryevepra të op artit nuk e konsideruan veten pjesë të lëvizjes, madje refuzuan plotësisht ta njihnin atë si një drejtim të veçantë, të pavarur.

Karakteristikat kryesore

Çdo lëvizje artistike ka karakteristika unike, të paimitueshme. Janë këto veçori që i ndajnë veprat që i përkasin kubizmit, dadaizmit dhe konstruktivizmit, në vend që t'i bashkojnë nën një kupolë të përbashkët të artit abstrakt.

Op arti u zhvillua në një lëvizje të veçantë për shkak të një numri karakteristikash unike:

Qëllimi kryesor i artit optik është të mashtrojë syrin e shikuesit. Kompozimet janë ndërtuar në atë mënyrë që të krijohet një disonancë midis organit të shikimit dhe organit të perceptimit, që rezulton në iluzionin e lëvizjes ose ndonjë efekt tjetër optik.
Për shkak të formave të tij thjesht gjeometrike, op arti është një lëvizje jo-përfaqësuese, domethënë përfaqësuesit e artit optik nuk përpiqen të përshkruajnë objekte specifike të realitetit rreth tyre.
Elementët e përdorur, ndër të cilët ngjyra, format dhe vijat, studiohen dhe llogariten dhe krijojnë një përbërje me saktësi pothuajse matematikore.
Në artin optik, për kompozicionin, si sfondi ashtu edhe plani i parë kanë të njëjtën rëndësi.
Teknikat kryesore për krijimin e iluzioneve optike janë perspektiva dhe përputhja e saktë e formave dhe ngjyrave.

Rezultati i kritikëve

Apogjeu i artit optik ishte ekspozita e Nju Jorkut The Responsive Eye. Ajo gëzoi një popullaritet të jashtëzakonshëm me publikun e gjerë, e intriguar nga raporti i ri i ngjyrës dhe formës. Megjithatë, kritikët nuk e nderuan veprën dhe vetë lëvizjen me vëmendje të veçantë.

Disa nga artistët dhe kritikët, pavarësisht kombinimit të ri të shkencës dhe artit, rezultuan të ishin kundërshtarë të flaktë të stilit të op artit, duke argumentuar se ekspozita mblodhi së bashku veprat e artistëve, qëllimet dhe idetë e të cilëve janë aq të ndryshme dhe kontradiktore sa nuk mund të i përkasin të njëjtës rrymë.

Falë efekteve të tij vizuale inovative dhe komplekse, op arti fitoi njohje të menjëhershme publike, por kritikët vazhduan ta trajtonin atë me mosbesim dhe mospërfillje, duke e konsideruar stilin si një prirje të dështuar, kalimtare të dënuar në harresë të plotë.

Arti optik sot

Kritikët kishin pjesërisht të drejtë për kalueshmërinë e Op Art. Pas vitit 1965, stili humbi shpejt potencialin e tij. Ndoshta arsyeja për këtë ishte mungesa e qëllimeve të përbashkëta dhe bazës ideologjike, ose suksesi i shpejtë tregtar i iluzioneve optike.

Shumë vite pas apogjeut të Op Art, reputacioni i tij vazhdon të jetë i diskutueshëm. Disa kritikë i quajnë kompozimet optike "gudulisje e syve", të tjerë krahasojnë artin pop dhe op art, duke tërhequr paralele dhe duke e quajtur artin optik art abstrakt pop. Sot, ky lloj iluzioni përdoret gjerësisht në industrinë e modës, psikologjinë dhe teknologjinë dixhitale.

Vitet gjashtëdhjetë u bënë një dekadë e nënkulturave rinore, modës ekscentrike "letër" dhe "plastike" dhe minimalizmit. Adoleshentët evropianë dhe amerikanë protestuan kundër politikave të shteteve të tyre, duke demonstruar një qëndrim negativ ndaj shoqërisë konsumatore me ndihmën e rrobave të përdorura. Injorimi i modeleve të stilistëve nga të rinjtë nuk e pengoi debutimin e profilit të lartë të Yves Saint Laurent dhe Valentino Garavani, të cilët po ashtu erdhën në vitet gjashtëdhjetë të çmendura. "Nëse i mbani mend vitet '60, atëherë nuk keni jetuar atëherë," tha Dick Wolfe, producent i The Doors.

"Sa më e çmendur aq më mirë!"

Ndoshta trendi më ekstravagant i modës i viteve 1960 ishte stili i hapësirës. Në vitin 1961, dhe kjo ndikoi jo vetëm në zhvillimin e shkencës, por edhe në modë. Dizajnerët u frymëzuan nga perspektivat e reja dhe filluan të krijojnë modele të çuditshme, "aliene". Një pionier i "modës në hapësirë" ishte stilisti André Courrège, fansat e të cilit mbanin çizme hënë dhe Syze dielli formësohet si topa tenisi. Courrèges krijoi fustane të shkurtra, të ngjashme me fëmijën, duke i zbukuruar me tema të ndezura dhe aksesorë të pazakontë.

Për modele të tilla, materialet artificiale dhe jo natyrore doli të ishin më të përshtatshme - sintetikë, plastikë, vinyl. Dizajnerët e modës dekoruan fustanet me pllaka vinyl dhe fiksuan elementë të rrobave të banjës me to. Si material përdorej edhe metali. Sigurisht, kominoshet me shkëlqim, helmetat me forma të çuditshme dhe mburojat e syve nuk zunë rrënjë në rrugë, por pasarelat e asaj kohe ishin plot me modele të pazakonta “hapësire”, të cilat po krijoheshin nga stilistë të famshëm të modës Dhe .

Moda për fibrat sintetike gradualisht u rrit në një tendencë për të krijuar rroba nga materiale që më parë përdoreshin për qëllime krejtësisht të ndryshme. Dizajnerët eksperimentuan me materiale për kostume hapësinore, veshje sportive Dhe uniformë ushtarake. Modelet ecnin në pasarela me vinyl dhe dacron, të cilat, në sfondin e modës konservatore pariziane të dekadave të mëparshme, dukeshin super-origjinale dhe madje revolucionare. Ekscentriciteti i veshjeve të propozuara nga dizajnerët u konsiderua një plus - për shumë, vitet 1960 kaluan nën moton: "Sa më e çmendur - aq më mirë!" Krahas trendit “plastik” dhe “vinyl”, në botën e modës gjatë kësaj periudhe rrodhi edhe “bumi i letrës”.

Në vitin 1966, në Shtetet e Bashkuara, fabrika e Scott filloi të prodhojë rroba përveç sendeve shtëpiake prej letre. Modelet e letrës ishin me dy ngjyra - të zezë dhe të bardhë dhe të verdhë-zi-kuqe. Koleksioni u quajt "Shpërthimi i ngjyrës" dhe rekomandohej të ndryshohej me gërshërë dhe të riparohej duke përdorur një copë letre. Ishte e mundur të vishje një fustan të tillë deri në pesë herë, dhe modelet e modës "letër" shiteshin në dyqane speciale. Prodhuesit i prezantuan kostumet e reja si mishërim i një ideje të shkëlqyer novatore dhe një vepre të artit modern.

Kapja trend i ri në prodhim ne mase, projektuesit filluan të krijojnë modele letre. Gazetarët e "paper couturiers" dhe publiku i quajtën Eliza Debbs dhe Harry Gordon, të cilët prodhonin fustane për tre dollarë secila. Sidoqoftë, jo të gjithë dizajnerët ishin aq demokratikë - shpesh çmimet për modelet e letrës mund të krahasoheshin me veshjet e modës. Në Nju Jork, në Madison Avenue, u hap butiku Parafenaliya, duke shitur rroba të modës plastike dhe letre. "Ai që i trajton rrobat me patos është i neveritshëm. Në fund të fundit, këto janë thjesht rroba. Duhet të jetë qesharake, nuk mund të merret seriozisht", shprehu humorin mes të rinjve Paul Young, një nga themeluesit e "Paraphenalia". bashkëthemelues i butikut të kultit ishte.

Arti në modë

Në sfondin e popullaritetit të pikturave "Green Coca-Cola Bottles" dhe "Campbell's Suup Cans", Warhol filloi të transferonte vizatimet e tij të famshme në pëlhurë. "Campbell". Dizajnerë të tjerë përdorën gjithashtu modele të artit pop në modelet e tyre, duke e bërë transferimin e përsëritur të objekteve të njohura në pëlhurë një nga tendencat më të habitshme të modës të viteve 1960.

Nëse ndikimi i kinemasë në modë u ndje në dekadat e mëparshme, atëherë piktura depërtoi në industrinë e modës vetëm në vitet gjashtëdhjetë. Një tjetër trend që u pasqyrua gjerësisht në veshjet masive ishte stili op-art. Pikturat e bëra në këtë stil bazoheshin në efektet e ndriçimit dhe kontrastin e ngjyrës së zezë dhe lule të bardha. Tendenca për të shprehur ndjenjat njerëzore përmes efekteve optike filloi në vitet 1950 dhe u përhap gjerësisht në mesin e viteve 1960. Telajot me kontrast bardh e zi shpesh e bënin audiencën të trullosur dhe stili op-art tërhoqi stilistët e modës me thjeshtësinë dhe risinë e tij grafike. Në mënyrë tipike, modele të tilla veshjesh ishin të një prerje të thjeshtë, e cila, megjithatë, kompensohej më shumë nga modelet e shtrembëruara të përshkruara në pëlhurë. forma gjeometrike, rrathë të stilizuar dhe spirale dhe vija njëngjyrëshe. "Vala e re e vizatimit në pëlhurë u quajt op-art. Arkitektura moderne dhe piktura bëhen baza e dizajnit. Nuk ka asnjë gjurmë romantizmi," shkroi revista Neue Mode në 1966.

Moda e re, disi e çuditshme ishte jashtëzakonisht e popullarizuar tek adoleshentët. Ndër stilistët e modës që u frymëzuan nga tendencat e reja në pikturë ishin Larry Aldrich, Andre Kurrezh,. Ky i fundit në vitin 1965 prezantoi para publikut një koleksion të bazuar në punën e Piet Mondrian, një nga themeluesit e pikturës abstrakte. Dizajnerët e modës ofruan një larmi të madhe aksesorësh të çmendur dhe kontraste ngjyrash, por ishte kundërshtimi i bardhë e zi që u bë një hit i vërtetë i dekadës. Që nga vitet 1960, dizajnerët kanë tërhequr vazhdimisht ide nga forma të tjera të artit, duke konfirmuar kështu se bukuria nuk është një kategori konstante, por një kategori e ndryshueshme.

"Elegancë radikale" dhe stili i nënkulturave

Së bashku me kryeqytetet botërore të modës në Paris dhe Milano, Londra filloi të diktojë stilin e saj në vitet 1960. Botimet kryesore e quajtën kryeqytetin anglez një qendër të re të stilit dhe modës, dhe dizajnerët britanikë, në kundërshtim me Parisin konservator, ofruan modele ekstravagante që u bënë një simbol i vërtetë i dekadës.

Pas përfundimit të Luftës së Dytë Botërore dhe tejkalimit të krizës, situata financiare në vendet evropiane filloi të përmirësohej. Të rinjtë i kushtonin më shumë kohë muzikës, filmave dhe argëtimeve të tjera. Pra, moda amerikane për xhinse dhe xhaketa lëkure depërtoi në stilin londinez, dhe emigrantët nga ish-kolonitë britanike sollën stilin e Indisë perëndimore në kryeqytetin e Anglisë. Një drejtim i ri, i formuar nën ndikimin e një sërë tendencash dhe kulturash, u fokusua kryesisht tek adoleshentët. Në rrugët e Londrës në atë kohë mund të takoheshim si të rinj me veshje etnike ashtu edhe "rebelë" me bluza dhe xhinse të veshura. Në vitin 1966, Time Magazine botoi një artikull të titulluar "London është qyteti i lëkundjes". Në fund të dekadës, në ekran u shfaqën filma që pasqyronin frymën revolucionare të asaj periudhe: "Blowup" nga Michelangelo Antonioni dhe "The Spectacle" nga Nicholas Roeg. Në të njëjtën kohë, Carnaby Street, e cila është bërë një vend kulti i "Lundës së Londrës", u shfaqën dyqane me pakicë. Në vitet 1960, butikët ofruan dizajne revolucionare për të rinjtë dhe kjo rrugë u bë e famshme në të gjithë botën si një qendër e modës së pavarur.

Gjendja rebele e viteve pesëdhjetë migroi në vitet gjashtëdhjetë. Gjatë kësaj periudhe, edhe adoleshentët e familjeve të pasura visheshin me rroba të përdorura, duke theksuar ekskluzivitetin e tyre dhe protestonin kundër shoqërisë konsumatore. Tregjet me rroba retro u bënë të njohura në qytetet e mëdha, adoleshentët nuk kishin frikë të kombinonin gjërat e modës së vjetër nga periudha të ndryshme, duke mos u kujdesur për modën. Ndërsa të rinjtë e pasur treguan subkulturën e tyre duke veshur qëllimisht rroba të vjetra, për adoleshentët e familjeve të varfra, ky trend u bë një mundësi për t'u përshtatur dhe për të mos shpenzuar para. Megjithatë, fryma rebele u tall nga shumë gazetarë të cilët e quajtën varfërinë e stilizuar një tallje me varfërinë e vërtetë. Shkrimtari amerikan Tom Wolfe foli për të rinjtë si fëmijë kapriçioz që luajnë revolucion dhe e quajti vetë stilin e veshjes "elegancë radikale". Dizajnerët e modës, duke u përpjekur të kënaqnin shijet e ndryshuara, filluan të krijojnë modele në stilin e viteve '30 dhe '40, por rrobat e stilit retro nuk ishin shumë të njohura - kundërkultura injoroi modën.

Refuzimi i stilit të zonjës dhe të gjitha tendencave të njohura në dekadat e mëparshme çuan në lëvizjen më të habitshme dhe masive të gjysmës së dytë të viteve gjashtëdhjetë - hipitë. Duke promovuar dashurinë dhe paqen, duke mos u pajtuar me politikat e shteteve të tyre, "fëmijët e luleve" të veshur me rroba ekzotike të sjella nga vende të tjera: një ponço amerikano-jugore, tunika indiane dhe shami eskimeze. Veshjet hipi të ndritshme dhe të qëndisura shumë u plotësuan me bizhuteri masive - kryesisht byzylykë dhe rripa indiane. Filozofia e hipive është bërë aq e njohur sa shumë stilistë kanë deklaruar rënien e funksionalizmit. “Ndryshe nga stil romantik dhe stili i art nouveau, stilet popullore dhe sportive, së bashku me veshjet shumëngjyrëshe meksikane, po shijojnë sot sukses të jashtëzakonshëm", shkruante revista Neue Mode. Motive të pazakonta, të ndritshme dhe tërheqëse indiane pushtuan të gjithë Evropën dhe Amerikën në vitet 1960, dhe të rinjtë tani veshin xhaketa "yeti", funde shumëngjyrëshe, pantallona të ndezura, pantallona turke, këmisha të qëndisura dhe pallto të gjata leshi. Pavarësisht se vetë përfaqësuesit e nënkulturave ishin skeptikë ndaj modës, botimet me shkëlqim shkruanin se një stil të ri meriton vëmendje të madhe dhe është në gjendje të ketë një ndikim serioz në industrinë e modës.

Në fund të dekadës, veshjet e ndritshme psikodelike të bëra nga materiale artificiale u zbehën në sfond dhe stili ushtarak u bë një hit i vërtetë. Përdorimi i gjërave ushtarake në Jeta e përditshme ishte edhe një lloj proteste që pasoi protestat që përfshiu Evropën në vitin 1968: kështu të rinjtë u përpoqën t'i jepnin veshjeve të destinuara për beteja një karakter paqësor. Kamuflazhi me arna të trashë ishte zbukuruar me simbole të paqes, fundet dhe këpucët e stilit ushtarak u pikturuan me të kuqe dhe ngjyrat rozë. Përfaqësuesit e nënkulturave të ndryshme mbanin rroba të tilla, dhe xhaketat ishin veçanërisht të njohura. madhësive të mëdha me simbolet e Forcave Ajrore Amerikane. Në të njëjtën kohë, stilistët filluan të eksperimentojnë me jeshile ulliri, të quajtur kaki.

Tendenca drejt minimalizmit dhe simboli kryesor i dekadës

Në vitet 1960, veshjet e bëra nga pëlhura elastike u përhapën gjerësisht. Ideja se të kesh shumë gjëra në gardërobë është e papërshtatshme dhe se gratë mund t'ia dalin lehtësisht me vetëm disa modele bazë, të vizituara nga stilistët e modës që në vitet 1930 dhe 1940. Claire McCardell në vitin 1934 propozoi të zëvendësonte të gjithë shumëllojshmërinë e stileve dhe modeleve me disa elementë bazë, dhe në fillim të dekadës së ardhshme ajo ishte e para që krijoi triko - triko me mëngë të gjata- dhe e bëri atë bazën e imazhit. gjëra themelore stilisti i veshjeve konsiderohet si një jakë e zezë dhe triko. Ideja e kombinimit të disa gjërave të thjeshta u bë shumë e njohur në vitet gjashtëdhjetë, kur grave iu kërkua të kishin vetëm një top, xhaketë, fund dhe pantallona në gardërobën e tyre.

Ulja e sasisë së veshjeve në minimum gjatë kësaj periudhe u mundësua nga ardhja e pëlhurave elastike. Në vitet 1960, stilisti Giorgio di Sant'Angelo filloi të kërkonte mënyra të reja për të krijuar pëlhura. Ai punonte me lesh dhe fije akrilike, si dhe shpiku mëndafsh elastik që mund të shtrihej në çdo drejtim. Të dy rrobat e banjës dhe majat e mbrëmjes ishin të qepura nga mëndafshi elastik dhe stilastik. Kostumografi Jacques Fonterey shkroi në vitin 1968: "Jam i sigurt se getat ose një nga varietetet e saj do të bëhen elementi kryesor i veshjeve të së ardhmes". Fonterey kishte të drejtë: ishin modelet elastike të viteve 1960 që shërbyen si bazë për krijimin veshje moderne- nga kostumet sportive te fustanet e mbrëmjes.

Vitet 1960 ishin një tjetër dekadë që ndryshoi plotësisht idenë e standardeve bukuria femërore. Nëse pas luftës, stilistët e modës u përqendruan te nënat e familjes dhe gratë me forma, atëherë në vitet gjashtëdhjetë androgjinia përsëri erdhi në modë, dhe e famshmja u bë një simbol i standardeve të reja të atraktivitetit. Një vajzë e hollë adoleshente me sy të hapur naivisht u shfaq në kopertinat e botimeve kryesore me shkëlqim, dhe vajzat në mbarë botën filluan të ndiqnin dieta të rrepta, duke dashur të ishin si idhulli i tyre. Twiggy u bë modelja e parë, imazhi i së cilës mishëronte idealet e dekadës, stilistët krijuan rroba për shumë vajzat e dobëta me figura djaloshare. Në revistat dhe posterat e modës, ajo u shfaq me minifunde dhe fustane të Mary Quant dhe mishëroi stilin "kukull" që ishte jashtëzakonisht popullor në vitet 1960. Së bashku me fansat, Twiggy kishte edhe keqbërës - shumë gazetarë e quanin atë një vajzë jashtëzakonisht të hollë dhe "të uritur", por kjo nuk e pengoi përhapjen e modës androgjenike - në vitet gjashtëdhjetë, burrat shpesh shkonin me flok te gjata dhe preferojnë femrat e reja prerje flokësh të shkurtër dhe fustane mini, duke shprehur kështu një hezitim për t'u rritur.

Debutimet e profilit të lartë të viteve 1960

Vitet gjashtëdhjetë ishin fillimi i një karriere të shkëlqyer, e cila u deklarua me zë të lartë në fillim të dekadës. Në vitin 1957, pas vdekjes së Christian Dior, 21-vjeçari Saint Laurent mori detyrën si drejtor kreativ i Shtëpisë së Dior. Sidoqoftë, tashmë në vitin 1960, stilisti i ri krijoi koleksionin e tij të fundit për markën: drejtuesit e Dior vendosën që stilisti i ri nuk kishte të drejtë t'u imponohej fansave të modës së lartë. Stili i rrugës, dhe i tha lamtumirë Saint Laurent. Dy vjet më vonë, couturier nxori koleksionin e parë me emrin e tij, për të cilin krijoi një xhaketë sportive me dy krahë me kopsa ari dhe pantallona mëndafshi. Më vonë, vetë stilisti dhe shumë stilistë të tjerë përdorën këtë model.

Yves Saint Laurent ishte një nga stilistët e parë të modës që nuk kishte frikë të krijonte rroba revolucionare në stilin e artit të artit dhe pop-artit, dhe gjithashtu propozoi një smoking për gratë dhe veshjet në stilin e "Afrikës" dhe "Safari". Ai kombinoi me guxim ngjyrat më të ndezura, duke plotësuar një fustan rozë të nxehtë me një xhaketë kanarinë, duke kombinuar të zezën me kafen, portokallinë me të kuqe dhe vjollcën me blunë.

Një tjetër debutim i profilit të lartë të dekadës është shfaqja në botën e modës e “sheikut të elegancës” italiane Valentino Garavani. I shkolluar në Paris, ai u kthye në Italinë e tij të lindjes në fund të viteve 1950, ku hapi një shtëpi të modës që solli në botë fustanet ikonë të kuq me firmë. Veshjet e ndritshme u bë "karta telefonike" e Garavanit dhe stilisti dalloi tridhjetë nuanca të së kuqes. Debutimi ndërkombëtar i profilit të lartë të Valentinos u zhvillua në vitin 1962 dhe në vitin 1968 u publikua "koleksioni i tij i bardhë" i famshëm, i përbërë tërësisht nga artikuj të bardhë. Në të njëjtën kohë, stilisti përdori fillimisht logon "V". Veshjet femërore nga Valentino u bënë simbole të jetës luksoze dhe yjet e Hollivudit vërshuan couturier-in me porosi. Në vitin 1968 fustan dantelle nga Garavani, në të cilin u martua me Aristotelin Onassis, goditi faqet e pothuajse të gjitha botimeve kryesore.

Sot mund të gjeni një shumëllojshmëri të gjerë veshjesh që ndryshojnë në stil, stil, prerje dhe ngjyrë. Por disa nga më të mahnitshmet janë, ndoshta, ato të krijuara në stilin op-art.

Historia e Op Artit

Si trend i modës, op arti në veshje u shfaq në prag të viteve 50-60 të shekullit të kaluar dhe u bë një nga risitë e asaj kohe. Emri është i shkurtuar, ai shqiptohet plotësisht si "art optik" dhe përkthehet nga në Anglisht në kuptimin e vërtetë të fjalës - art optik.

Thelbi i tij qëndron në faktin se me ndihmën e formave gjeometrike të përsëritura në mënyrë të përsëritur, krijohet një efekt vëllimi ose lëvizjeje në një sipërfaqe absolutisht të sheshtë. Ne jemi njohur me vizatime të tilla për një kohë të gjatë, por kurrë nuk kemi menduar se si quhen ato.

Në fillim, op arti u përdor nga artistët. Dhe, sipas të dhënave historike, themeluesi i saj u bë njëfarë Victor Vasarely, i cili pikturoi pikturën e tij legjendare "Zebra" në 1938.

Të parët që vendosën të përdorin iluzionin në pëlhura ishin stilistë amerikanë. Falë një qasjeje të re, ata mundën të krijonin veshje që vizualisht "nivelonin" figurën, duke e bërë gjoksin dhe ijet më ekspresive dhe belin më të hollë.

Një prej tyre ishte Yves Saint Laurent, i cili përdori fustane të mëdhenj dhe koktej për vjeshtë-dimrin 1965-1966. Sot, op arti është rikthyer falë sesionit fotografik të Vogue të vitit 2001 "Op position" me printime optike.

Artistët modernë janë në gjendje të krijojnë vizatime të tilla që të lëvizin në valë nën vështrimin tonë ose të ndryshojnë formën e tyre. Edhe pse po të shikosh me vëmendje, gjithçka duket se ka mbetur ashtu siç ka qenë në të njëjtën kohë, sërish duket se diçka ka ndryshuar. Një qasje interesante, duhet të them.

Op art sot

Moda e lartë nuk qëndron kurrë mënjanë nga risi të tilla, dhe për këtë arsye op-art në veshje mund të gjendet si vitin e kaluar ashtu edhe këtë vit. Për më tepër, ai e gjente rregullisht aplikacionin e tij në shumë koleksione nga markat më të famshme. Pra, format gjeometrike u bënë thirrje markave Alexander McQueen, Anna Sui, Roberto Cavalli, Yves Saint Laurent, Clemens Ribiero, Top Shop dhe shumë të tjerë.

Ata përdorën gjerësisht rombet, trekëndëshat, linjat e zhdrejta dhe të drejta, si dhe modele të rrjedhshme lulesh dhe forma thjesht abstrakte. Sa i përket ngjyrës, rregulli kryesor këtu është një kombinim i kontrastit dhe ngjyra të ndezura, kështu që rrobat në këtë stil nuk mund të jenë gri dhe të mos bien në sy. Nuancat më të rëndësishme, natyrisht, janë bardh e zi. Prej tyre mund të bëni variacionet më të pabesueshme.

Në sezonin vjeshtë-dimër 2012-2013, veshjet e këtij stili mund të shiheshin në veprat e Rochas, Prada, Versus dhe Miu Miu. Louis Vuitton për vitin 2013, ku modeli kryesor ishte përdorimi i ngjyrave të zeza, të bardha, të verdha, jeshile, kafe dhe të tjera të ndezura.

Rregullat për zgjedhjen e rrobave në stilin e op artit

Kur blini rroba në stilin op art, duhet të kuptoni se me ndihmën e tij mund të arrini një pamje më të përsosur. Pra, linjat e errëta përgjatë anëve e bëjnë vizualisht një grua më të hollë, dhe linjat horizontale përgjatë gjithë gjatësisë së veshjes mund ta kthejnë një vajzë të hollë me një bust të vogël në një bukuri mjaft ekspresive. Në mënyrë të ngjashme, vizatimet vertikale ju bëjnë të dukeni më të gjatë.

Është shumë mirë që këto veshje të përdoren për vajzat e shëndosha. Mund të kryhet me metodën franceze, e cila synon të theksojë avantazhet kryesore të figurës, ose me metodën ruse, e krijuar për të fshehur të metat.

Por, duke formuar imazhin tuaj nga veshje të tilla, duhet të jeni jashtëzakonisht të kujdesshëm në mënyrë që të dukeni bukur, dhe jo tërheqëse dhe të shëmtuar. Për ta bërë këtë, duhet të kihet parasysh se në prani të një kostumi në të cilin si pjesa e sipërme ashtu edhe e poshtme përmbajnë të ashtuquajturat stampa psikedelike, aksesorët duhet të zgjidhen monoton dhe sa më të qetë. Për të gjitha këto, një tufë e një ngjyre të fortë dhe të njëjtat këpucë janë gjithashtu të përshtatshme.

Nëse dëshironi, madje mund të kombinoni dy printime të ndryshme gjeometrike, gjëja kryesore është që ato të kenë të njëjtën skemë ngjyrash ose të njëjtat forma modelesh. Sidoqoftë, është mjaft e mundur të kombinosh op-art me vizatime krejtësisht të ndryshme - kafshërore ose me lule. Në rastin e fundit, është e rëndësishme që njëri prej tyre të jetë dominues dhe tjetri plotësues.

Këtu është një drejtim kaq interesant që patjetër duhet t'i kushtoni vëmendje nëse doni të dukeni bukur dhe të pazakontë.

"Sa më e çmendur aq më mirë!"

Ndoshta trendi më ekstravagant i modës i viteve 1960 ishte stili i hapësirës. Në vitin 1961, dhe kjo ndikoi jo vetëm në zhvillimin e shkencës, por edhe në modë. Dizajnerët u frymëzuan nga perspektivat e reja dhe filluan të krijojnë modele të çuditshme, "aliene". Një pionier i "modës në hapësirë" ishte stilisti André Courrèges, fansat e të cilit mbanin çizme hënë dhe syze dielli në formë topa tenisi. Courrèges krijoi fustane të shkurtra, të ngjashme me fëmijën, duke i zbukuruar me tema të ndezura dhe aksesorë të pazakontë.

Për modele të tilla, materialet artificiale dhe jo natyrore doli të ishin më të përshtatshme - sintetikë, plastikë, vinyl. Dizajnerët e modës dekoruan fustanet me pllaka vinyl dhe fiksuan elementë të rrobave të banjës me to. Si material përdorej edhe metali. Sigurisht, kominoshet me shkëlqim, helmetat e çuditshme dhe mburojat e syve nuk zunë rrënjë në rrugë, por pasarelat e asaj kohe ishin plot me modele të pazakonta “hapësire”, të krijuara nga stilistë të famshëm dhe.

Moda për fibrat sintetike gradualisht u rrit në një tendencë për të krijuar rroba nga materiale që më parë përdoreshin për qëllime krejtësisht të ndryshme. Dizajnerët eksperimentuan me materiale për kostume hapësinore, veshje sportive dhe uniforma ushtarake. Modelet ecnin në pasarela me vinyl dhe dacron, të cilat, në sfondin e modës konservatore pariziane të dekadave të mëparshme, dukeshin super-origjinale dhe madje revolucionare. Ekscentriciteti i veshjeve të propozuara nga dizajnerët u konsiderua një plus - për shumë, vitet 1960 kaluan nën moton: "Sa më e çmendur - aq më mirë!" Krahas trendit “plastik” dhe “vinyl”, në botën e modës gjatë kësaj periudhe rrodhi edhe “bumi i letrës”.

Duke kapur një prirje të re në prodhimin masiv, projektuesit filluan të krijojnë modele letre. Gazetarët e "paper couturiers" dhe publiku i quajtën Eliza Debbs dhe Harry Gordon, të cilët prodhonin fustane për tre dollarë secila. Sidoqoftë, jo të gjithë dizajnerët ishin aq demokratikë - shpesh çmimet për modelet e letrës mund të krahasoheshin me veshjet e modës. Në Nju Jork, në Madison Avenue, u hap butiku Parafenaliya, duke shitur rroba të modës plastike dhe letre. "Ai që i trajton rrobat me patos është i neveritshëm. Në fund të fundit, këto janë thjesht rroba. Duhet të jetë qesharake, nuk mund të merret seriozisht", shprehu humorin mes të rinjve Paul Young, një nga themeluesit e "Paraphenalia". bashkëthemelues i butikut të kultit ishte.

Arti në modë

Nëse ndikimi i kinemasë në modë u ndje në dekadat e mëparshme, atëherë piktura depërtoi në industrinë e modës vetëm në vitet gjashtëdhjetë. Një tjetër trend që u pasqyrua gjerësisht në veshjet masive ishte stili op-art. Pikturat e bëra në këtë stil bazoheshin në efektet e ndriçimit dhe kontrastin e bardhë e zi. Tendenca për të shprehur ndjenjat njerëzore përmes efekteve optike filloi në vitet 1950 dhe u përhap gjerësisht në mesin e viteve 1960. Telajot me kontrast bardh e zi shpesh e bënin audiencën të trullosur dhe stili op-art tërhoqi stilistët e modës me thjeshtësinë dhe risinë e tij grafike. Në mënyrë tipike, modele të tilla veshjesh ishin të një prerjeje të thjeshtë, e cila, megjithatë, kompensohej më shumë nga figurat gjeometrike të shtrembëruara të përshkruara në pëlhurë, rrathët e stilizuar dhe spirale dhe vija njëngjyrëshe. "Vala e re e vizatimit në pëlhurë u quajt op-art. Arkitektura moderne dhe piktura bëhen baza e dizajnit. Nuk ka asnjë gjurmë romantizmi," shkroi revista Neue Mode në 1966.

"Elegancë radikale" dhe stili i nënkulturave

Refuzimi i stilit të zonjës dhe të gjitha tendencave të njohura në dekadat e mëparshme çuan në lëvizjen më të habitshme dhe masive të gjysmës së dytë të viteve gjashtëdhjetë - hipitë. Duke promovuar dashurinë dhe paqen, duke mos u pajtuar me politikat e shteteve të tyre, "fëmijët e luleve" të veshur me rroba ekzotike të sjella nga vende të tjera: një ponço amerikano-jugore, tunika indiane dhe shami eskimeze. Veshjet hipi të ndritshme dhe të qëndisura shumë u plotësuan me bizhuteri masive - kryesisht byzylykë dhe rripa indiane. Filozofia e hipive është bërë aq e njohur sa shumë stilistë kanë deklaruar rënien e funksionalizmit. “Në kontrast me stilet Romantic dhe Art Nouveau, stilet folklorike dhe sportive, së bashku me veshjet shumëngjyrëshe meksikane, po shijojnë sot një sukses të jashtëzakonshëm”, shkruante revista Neue Mode. Motive të pazakonta, të ndritshme dhe tërheqëse indiane pushtuan të gjithë Evropën dhe Amerikën në vitet 1960, dhe të rinjtë tani mbanin xhaketa yeti, funde shumëngjyrëshe, pantallona të ndezura, pantallona turke, këmisha të qëndisura dhe pallto të gjata leshi. Përkundër faktit se vetë përfaqësuesit e nënkulturave ishin skeptikë për modën, botimet me shkëlqim shkruanin se stili i ri meriton vëmendje të madhe dhe mund të ketë një ndikim serioz në industrinë e modës.

Në fund të dekadës, veshjet e ndritshme psikodelike të bëra nga materiale artificiale u zbehën në sfond dhe stili ushtarak u bë një hit i vërtetë. Përdorimi i sendeve ushtarake në jetën e përditshme ishte gjithashtu një lloj proteste që pasoi protestat që përfshiu Evropën në vitin 1968: në këtë mënyrë të rinjtë përpiqeshin t'i jepnin veshjeve të destinuara për beteja një karakter paqësor. Kamuflazhi me arna të trashë ishte zbukuruar me simbole paqeje, fundet dhe këpucët e stilit ushtarak ishin pikturuar në të kuqe dhe rozë. Përfaqësuesit e nënkulturave të ndryshme mbanin rroba të tilla, dhe xhaketat e mëdha me simbole të aviacionit ajror amerikan ishin veçanërisht të njohura. Në të njëjtën kohë, stilistët filluan të eksperimentojnë me jeshile ulliri, të quajtur kaki.

Tendenca drejt minimalizmit dhe simboli kryesor i dekadës

Në vitet 1960, veshjet e bëra nga pëlhura elastike u përhapën gjerësisht. Ideja se të kesh shumë gjëra në gardërobë është e papërshtatshme dhe se gratë mund t'ia dalin lehtësisht me vetëm disa modele bazë, të vizituara nga stilistët e modës që në vitet 1930 dhe 1940. Claire McCardell në 1934 propozoi zëvendësimin e të gjithë shumëllojshmërisë së stileve dhe modeleve me disa elementë bazë, dhe në fillim të dekadës së ardhshme ajo ishte e para që krijoi triko - geta me mëngë të gjata - dhe e bëri atë bazën e imazhit. Dizajnerja e modës i konsideroi një jakë të zezë dhe triko si elementët bazë të garderobës. Ideja e kombinimit të disa gjërave të thjeshta u bë shumë e njohur në vitet gjashtëdhjetë, kur grave iu kërkua të kishin vetëm një top, xhaketë, fund dhe pantallona në gardërobën e tyre.

Ulja e sasisë së veshjeve në minimum gjatë kësaj periudhe u mundësua nga ardhja e pëlhurave elastike. Në vitet 1960, stilisti Giorgio di Sant'Angelo filloi të kërkonte mënyra të reja për të krijuar pëlhura. Ai punonte me lesh dhe fije akrilike, si dhe shpiku mëndafsh elastik që mund të shtrihej në çdo drejtim. Të dy rrobat e banjës dhe majat e mbrëmjes ishin të qepura nga mëndafshi elastik dhe stilastik. Kostumografi Jacques Fonterey shkroi në vitin 1968: "Jam i sigurt se getat ose një nga varietetet e saj do të bëhen elementi kryesor i veshjeve të së ardhmes". Fonterey doli të kishte të drejtë: ishin modelet elastike të viteve 1960 që shërbyen si bazë për krijimin e rrobave moderne - nga tuta deri tek fustanet e mbrëmjes.

Vitet 1960 ishin një tjetër dekadë që ndryshoi plotësisht idenë e standardeve të bukurisë femërore. Nëse pas luftës, stilistët e modës u përqendruan te nënat e familjes dhe gratë me forma, atëherë në vitet gjashtëdhjetë androgjinia përsëri erdhi në modë, dhe e famshmja u bë një simbol i standardeve të reja të atraktivitetit. Një vajzë e hollë adoleshente me sy të hapur naivisht u shfaq në kopertinat e botimeve kryesore me shkëlqim, dhe vajzat në mbarë botën filluan të ndiqnin dieta të rrepta, duke dashur të ishin si idhulli i tyre. Twiggy u bë modelja e parë, imazhi i së cilës mishëronte idealet e dekadës, stilistët e modës krijuan rroba për vajza shumë të holla me figura djaloshare. Në revistat dhe posterat e modës, ajo u shfaq me minifunde dhe fustane të Mary Quant dhe mishëroi stilin "kukull" që ishte jashtëzakonisht popullor në vitet 1960. Së bashku me fansat, Twiggy kishte edhe keqbërës - shumë gazetarë e quanin atë një vajzë jashtëzakonisht të dobët dhe "të uritur", por kjo nuk e pengoi përhapjen e modës androgjenike - në vitet gjashtëdhjetë, burrat shpesh shkonin me flokë të gjatë, dhe gratë e reja preferonin prerje flokësh të shkurtër dhe fustane mini, duke shprehur kështu një hezitim për t'u rritur.

Debutimet e profilit të lartë të viteve 1960

Vitet gjashtëdhjetë ishin fillimi i një karriere të shkëlqyer, e cila u deklarua me zë të lartë në fillim të dekadës. Në vitin 1957, pas vdekjes së Christian Dior, 21-vjeçari Saint Laurent mori detyrën si drejtor kreativ i Shtëpisë së Dior. Sidoqoftë, tashmë në vitin 1960, stilisti i ri krijoi koleksionin e tij të fundit për markën: drejtuesit e Dior vendosën që stilisti i ri nuk kishte të drejtë të impononte stilin e rrugës për fansat e modës së lartë dhe i tha lamtumirë Saint Laurent. Dy vjet më vonë, couturier nxori koleksionin e parë me emrin e tij, për të cilin krijoi një xhaketë sportive me dy krahë me kopsa ari dhe pantallona mëndafshi. Më vonë, vetë stilisti dhe shumë stilistë të tjerë përdorën këtë model.

Një tjetër debutim i profilit të lartë të dekadës është shfaqja në botën e modës e “sheikut të elegancës” italiane Valentino Garavani. I shkolluar në Paris, ai u kthye në Italinë e tij të lindjes në fund të viteve 1950, ku hapi një shtëpi të modës që solli në botë fustanet ikonë të kuq me firmë. Fustanet e ndezura u bënë “karta e vizitës” e Garavanit dhe stilisti dalloi tridhjetë nuanca të së kuqes. Debutimi ndërkombëtar i profilit të lartë të Valentinos u zhvillua në vitin 1962 dhe në vitin 1968 u publikua "koleksioni i tij i bardhë" i famshëm, i përbërë tërësisht nga artikuj të bardhë. Në të njëjtën kohë, stilisti përdori fillimisht logon "V". Veshjet femërore nga Valentino u bënë simbole të jetës luksoze dhe yjet e Hollivudit vërshuan couturier-in me porosi. Në vitin 1968, një fustan dantelle nga Garavani, në të cilin ajo u martua me Aristotle Onassis, goditi faqet e pothuajse të gjitha botimeve kryesore.