Op menas yra madingas. Op-art stilius drabužiuose. Minimalizmo tendencija ir pagrindinis dešimtmečio simbolis

Op menas(iš angliškos optinio meno sampratos) – judėjimo iliuzijos ant plokščio paviršiaus kūrimas per geometrines figūras. Kuriant op-art stiliaus drabužius, naudojamos ryškios spalvos, kurios kontrastuoja viena su kita.

Išvaizdos istorija

1938 m. Viktoras Vasarely pristatė savo paveikslą „Zebrai“, kuris tapo pirmuoju kultiniu op art stiliaus kūriniu. Tuo pačiu pirmą kartą naujasis geoprintas buvo panaudotas ant Hermes mados namų krepšių, tačiau galutinio populiarumo stilius sulaukė tik 1965 m., kai jame esantys darbai buvo pristatyti Niujorke parodoje „The Responsive“. Akis".

Tuo pačiu metu Yves'as Saint Laurent'as atkreipė dėmesį į geometrinį raštą, kuris išleido kokteilių suknelių kolekciją su tiesaus siluetu su ryškiomis didelėmis ląstelėmis. Šios suknelės buvo labiausiai paplitusio ir paprasčiausio kirpimo be rankovių ir apykaklės. Suknelės pavadinimas buvo įkvėpėjo garbei – „Modrian“.

Po didžiojo kurjerio sekė: mini sijonėlių kūrėja Mary Quant, Larry Aldrich, André Courrège – jie visi išleido sukneles ir aksesuarus su neįprastais geometriniais raštais ir formomis op art stiliaus. Kartu su šių dizainerių kolekcijų išleidimu mados žurnalai savo puslapiuose pradėjo spausdinti nuotraukas drabužiais su kvadratų, trikampių ir rombų raštais. Dešimtmečio simboliu pripažintas įvairių variantų geometrinis spaudinys.

2001 m. įvyko šio spaudinio atgimimas. Prancūzų Vogue puslapiuose pasirodė op-art drabužiuose. Po dešimties metų mados dizaineriai pradėjo masiškai naudoti šį stilių drabužiuose. Suknelės su geometriniai raštai pristatė visi pirmaujantys mados namai, o su Louis Vuitton prekės ženklu dirbantys mados dizaineriai sukneles siuvinėjo net įvairiaspalviais akmenimis.

Su kuo ir kaip dėvėti op meno drabužius?

Geriausias būdas atrodyti stilingai – drabužių opmeną derinti su paprastais drabužių spintos elementais. Taigi tikrai neperkraukite savo įvaizdžio aktyviais spaudiniais ir spalvomis.

Jei turite natūraliai išsivysčiusį stiliaus pojūtį, galite sumaniai sumaišyti skirtingus geometrinius raštus viename įvaizdyje arba dėvėti op-art drabužius kartu su gėlių, rytietiškų ir gyvūnų motyvais. Jei norite sukurti madingą vaizdą su dviem geoprintais, tuomet laikykitės vienos spalvos taisyklės: abi prekės spintoje turi turėti bent vieną bendrą atspalvį.

Vizualiai tokie drabužiai gali paslėpti beveik bet kokius figūros trūkumus, ištempti siluetą ir pašalinti apimčių perteklių. Kuo paprastesnis dalykas yra pritaikytas, tuo geriau jis atrodys. Renkantis op-art drabužius, būtinas privalomas apdaras. Su jo pagalba galite įvertinti, kaip gerai atrodo vaizdas.

Op menas (arba optinis menas) – abstrakcionizmo kryptis, kurios pagrindinis objektas – optinės iliuzijos, sukurtos siekiant apgauti žiūrovo akį. Ši tendencija glaudžiai susijusi su kinetika – šiuolaikinio meno tendencija, kuri orientuota į judesio ar jo iliuzijos kūrimą.

Op menas daugiausia naudoja geometrines figūras, išdėstytas aiškioje matematinėje projekcijoje, kad sukurtų judėjimo, gylio ar vibracijos iliuziją. Pirmieji darbai šia kryptimi buvo sukurti naudojant achromatinę spalvų paletę (balta, juoda ir pilka), kuri leido pasiekti puikų kontrastą.

Visuotinai pripažįstama, kad judėjimo įkūrėjas yra prancūzų kinetikas Viktoras Vasarely. Op menas taip pat siejamas su abstrakčiuoju ekspresionizmu, kubizmu ir dadaizmu.

Istorinis kontekstas

Daugelį amžių menininkus domino spalvos, formos ir perspektyvos suvokimo teorija. Norėdami tobulinti tapybos techniką, meistrai pradėjo tyrinėti optinius efektus ir iliuzijas. Vaizdinio suvokimo specifika tapo impresionizmo pagrindu, o domėjimasis geometrinėmis formomis padėjo pamatus kubizmui.

Iki XX amžiaus vidurio visi šie interesai, skatinami psichologijos vystymosi ir precedento neturinčios technologinės pažangos, lėmė naują tendenciją. Optinio meno šedevrai kuriami iš abstrakčių formų, ryškiai kontrastuojančių su fonu, todėl sukuriami efektai, kurie ir glumina, ir skatina. vizualinis suvokimasžiūrovų.

Pačios pirmosios parodos sulaukė plačios tarptautinės auditorijos dėmesio. Daugelis lankytojų manė, kad op menas yra ideali meno kryptis modernus pasaulis su savo naujais pasiekimais inžinerijos, psichologijos, medicinos, skaitmeninių ir televizijos technologijų srityse.

Optinio meno atsiradimo istorija

Terminą „op menas“ pirmą kartą pavartojo menininkas ir rašytojas Donaldas Juddas, kritiškai recenzuodamas Juliano Stanczyko parodą „Optical Paintings“. Naująjį pavadinimą greitai pamėgo „Times“ – tai pačiai parodai skirtas straipsnis pagaliau sustiprino optinį meną kaip atskirą kryptį ir apdovanojo ją skambiu pavadinimu.

Nepaisant to, kad šios tendencijos šaknys siekia pirmąsias spalvų suvokimo teorijas, šiuolaikinis op menas atsirado veikiant Viktoro Vasarely kūrybai, kuris vienas pirmųjų tyrė optines iliuzijas, kylančias, kai figūros yra vaizduojamos. išdėstyti ant drobės tam tikru būdu.

Responsive Eye – optinio meno viršūnė

XX amžiaus viduryje tarptautinių parodų ciklas atkreipė dėmesį į tokio stiliaus kūrinius kaip op menas. Vasarely ir jo idėjos domino ne tik visuomenę, bet ir kitus menininkus, kurie optinėse iliuzijose įžvelgė tradicinio meno ir šiuolaikinių galimybių bei interesų mišinį. 1965 metais garsiajame Niujorko muziejuje šiuolaikinis menas(MoMA) surengė parodą „The Responsive Eye“. Tarp 123 eksponatų buvo ne tik Vasarely kūriniai, bet ir daugelis kitų op meno atstovų turėjo galimybę visuomenei parodyti savo optines iliuzijas. Tarp jų buvo tokie menininkai kaip Bridget Riley, Frank Stella, Carlos Cruz-Sharp ir Jesús Rafael Soto.

Bendra optinio meno idėja

Op meno atstovai domėjosi žmogaus akies galimybėmis ir vizualinis suvokimas, todėl kūrė skirtingas kompozicijas, leidžiančias tyrinėti optinio suvokimo reiškinius ir publikos reakciją. Tokiems efektams kaip kombinuotas iškraipymas, akinimas ir tolesni vaizdai naudoja kruopščiai apskaičiuotą formų, spalvų, ryškumo ir kontrasto išdėstymą, kad stimuliuotų žmogaus akis.

Iš esmės op meno menininkai naudojo achromatinę paletę, teigdami, kad kuo stipresnis kontrastas, tuo aiškesnė iliuzija. Nenaudojant kontūrų juodai baltose drobėse, sunkiausia nustatyti, kuri spalva yra fonas. Tačiau spalvos dažnai tampa optinių iliuzijų kūrimo įrankiu, nes skirtingi atspalviai suteikia vaizdui gylio, kaip ir kontrastas tarp skirtingo intensyvumo atspalvių suteikia naujų galimybių eksperimentuoti.

Nepaisant keistų ir netikėtų efektų, op menas visiškai atitinka aukštojo meno kanonus, nes visuose klasikiniuose paveiksluose naudojama gylio ir erdvinio vaizdo iliuzija. Optinis menas plečia tradicinę iliuziją, remdamasis psichologinėmis vizualinio suvokimo taisyklėmis.

Kaip kuriamos optinės iliuzijos

Optinis menas (op menas) kaip atskiras judėjimas remiasi fiziologiniu ir psichologiniu ryšiu tarp regėjimo organo (akies) ir suvokimo organo (smegenų ir. nervų sistema). Tam tikri raštai ir geometrinės kompozicijos gali sukelti šių dviejų organų nesutarimus, taip sukurdami neracionalius optinius efektus ir iliuzijas.

Šiuos efektus galima suskirstyti į dvi pagrindines kategorijas:

Judėjimo iliuziją sukelia specifinis kontrastingų geometrinių formų išdėstymas. Juntamo judesio efektą lengviausia sukurti naudojant juodai baltą paletę.
Dėl tolesnių vaizdų smegenys sulaiko vaizdą ir projektuoja jį ant tuščio paviršiaus iškart po to, kai žiūrovo akis palieka op meno objektą. Šis efektas sukuriamas naudojant labai ryškias ir kontrastingas spalvas.

Op menas mene

Kritikai mano, kad optinio meno šaknys kyla iš geometrinio abstrakcionizmo, kuris taip pat buvo naujo ir greitai besikeičiančio pasaulio produktas. Tačiau tendencija griežtai orientuotis į vizualinius ir suvokimo efektus rodo, kad baroko meistrų idėjos turėjo didesnę įtaką op art stiliui, kuris vėliau susijungė į techniką, vadinamą „trompe-l'oeil“ (trompe-l'). oeil). Jis taip pat vadinamas patobulinta perspektyva arba kliūtimi.

Optinio meno atstovai nepasižymėjo vienu ideologiniu impulsu. Vieni jų kūrė suvokimo iliuzijas kaip žmogaus suvokimo eksperimentą, kiti bandė meną atnešti į mases, kurdami naujus, įdomius ir stimuliuojančius projektus. Daugelis menininkų, kūrusių op meno šedevrus, nelaikė savęs judėjimo dalimi ir net visiškai atsisakė pripažinti jį kaip atskirą, nepriklausomą kryptį.

Pagrindinės charakteristikos

Kiekvienas meninis judėjimas turi unikalių, nepakartojamų savybių. Būtent šie bruožai išskiria kubizmui, dadaizmui ir konstruktyvizmui priklausančius kūrinius, o ne sujungia juos po vienu bendru abstrakčiojo meno kupolu.

Op menas išsivystė į atskirą judėjimą dėl daugybės unikalių savybių:

Pagrindinis optinio meno tikslas – apgauti žiūrovo akį. Kompozicijos konstruojamos taip, kad tarp regėjimo organo ir suvokimo organo susidaro disonansas, dėl kurio susidaro judesio ar kitokio optinio efekto iliuzija.
Dėl savo grynai geometrinių formų op menas yra nereprezentacinis judėjimas, tai yra, optinio meno atstovai nesistengia pavaizduoti konkrečių juos supančios tikrovės objektų.
Naudojami elementai, tarp kurių yra spalva, formos ir linijos, yra ištirti ir apskaičiuoti ir sukuria kompoziciją beveik matematiniu tikslumu.
Optiniame mene kompozicijai tiek fonas, tiek pirmas planas turi vienodą reikšmę.
Pagrindinės optinių iliuzijų kūrimo technikos yra perspektyvus ir tikslus formų ir spalvų derinimas.

Kritikų rezultatas

Optinio meno apogėjus buvo Niujorko paroda „The Responsive Eye“. Ji džiaugėsi neįtikėtinu populiarumu plačiojoje visuomenėje, suintrigavo nauju spalvų ir formų santykiu. Tačiau kritikai kūrinio ir paties judėjimo nepagerbė ypatingu dėmesiu.

Kai kurie menininkai ir kritikai, nepaisant naujos mokslo ir meno kombinacijos, pasirodė esąs aršūs op meno stiliaus priešininkai, teigdami, kad paroda sujungė menininkų, kurių tikslai ir idėjos yra tokie skirtingi ir prieštaringi, kad negali. priklauso tai pačiai srovei.

Dėl novatoriškų ir sudėtingų vizualinių efektų op menas akimirksniu sulaukė visuomenės pripažinimo, tačiau kritikai ir toliau su juo elgėsi nepatikliai ir nuolaidžiai, laikydami, kad stilius yra žlugusi, trumpalaikė tendencija, pasmerkta visiškam užmarščiui.

Optinis menas šiandien

Kritikai iš dalies buvo teisūs dėl op art laikinumo. Po 1965 m. stilius greitai prarado savo potencialą. Galbūt to priežastis buvo bendrų tikslų ir ideologinio pagrindo trūkumas arba žaibiška optinių iliuzijų komercinė sėkmė.

Praėjus daugeliui metų po Op Art apogėjaus, jo reputacija tebėra prieštaringa. Vieni kritikai optines kompozicijas vadina „akies kutenimu“, kiti lygina popartą ir op meną, vesdami paraleles, o optinį meną vadindami abstrakčiuoju popmenu. Šiandien tokia iliuzija plačiai naudojama mados industrijoje, psichologijoje ir skaitmeninėse technologijose.

Šeštasis dešimtmetis tapo jaunimo subkultūrų, ekscentriškos „popierinės“ ir „plastiko“ mados bei minimalizmo dešimtmečiu. Europos ir Amerikos paaugliai protestavo prieš savo valstybių politiką, dėvėtų drabužių pagalba demonstruodami neigiamą požiūrį į vartotojišką visuomenę. Jaunų žmonių dizainerių modelių ignoravimas nesutrukdė Yves'o Saint Laurent'o ir Valentino Garavani, kurie taip pat atėjo į „beprotišką šeštąjį dešimtmetį“, debiutui. „Jei prisimeni septintąjį dešimtmetį, vadinasi, tada negyvenai“, – sakė Dickas Wolfe'as, „The Doors“ prodiuseris.

"Kuo kvailiau, tuo geriau!"

Bene ekstravagantiškiausia septintojo dešimtmečio mados tendencija buvo kosminis stilius. 1961 m., ir tai turėjo įtakos ne tik mokslo raidai, bet ir madai. Dizaineriai buvo įkvėpti naujų perspektyvų ir pradėjo kurti keistus, „svetimus“ modelius. „Kosmoso mados“ pradininkas buvo dizaineris André Courrège, kurio gerbėjai avėjo mėnulio batus ir Akiniai nuo saulės formos kaip teniso kamuoliukai. Courrèges kūrė trumpas, vaikiškas sukneles, papuošdamas jas žėrinčiais blizgučiais ir neįprastais aksesuarais.

Tokiems modeliams labiau tinka dirbtinės, o ne natūralios medžiagos - sintetika, plastikas, vinilas. Mados kūrėjai sukneles puošė vinilinėmis plokštelėmis ir jomis tvirtino maudymosi kostiumėlių elementus. Metalas taip pat buvo naudojamas kaip medžiaga. Žinoma, gatvėse neprigijo blizgantys kombinezonai, keisti šalmai ir akių skydeliai, tačiau podiumuose tuo metu buvo gausu neįprastų „kosminių“ modelių, kuriuos kūrė garsūs mados dizaineriai ir .

Sintetinio pluošto mada pamažu peraugo į tendenciją kurti drabužius iš medžiagų, kurios anksčiau buvo naudojamos visai kitoms reikmėms. Dizaineriai eksperimentavo su kosminių kostiumų medžiagomis, sportinė apranga ir karinė uniforma. Modeliai podiumais žengė su vinilu ir dakronu, kurie ankstesnių dešimtmečių konservatyvios Paryžiaus mados fone atrodė itin originaliai ir net revoliucingai. Dizainerių pasiūlytų aprangų ekscentriškumas buvo laikomas pliusu – daugeliui septintasis dešimtmetis prabėgo su šūkiu: „Kuo beprotiškiau – tuo geriau! Kartu su „plastiko“ ir „vinilo“ tendencija, šiuo laikotarpiu mados pasaulyje plūstelėjo ir „popieriaus bumas“.

1966 m. JAV Scott gamykla pradėjo gaminti ne tik popierinius namų apyvokos reikmenis, bet ir drabužius. Popieriniai modeliai buvo dviejų spalvų – juodos ir baltos bei geltonos-juodos-raudonos. Kolekcija vadinosi „Spalvų sprogimas“, ją rekomenduota keisti žirklėmis ir taisyti naudojant popieriaus lapą. Tokią suknelę buvo galima vilkėti iki penkių kartų, o „popierinės“ mados modeliai buvo parduodami specialiose parduotuvėse. Gamintojai naujus kostiumus pristatė kaip puikios novatoriškos idėjos įkūnijimą ir modernaus meno kūrinį.

Gaudymas nauja tendencija in masinė produkcija, dizaineriai pradėjo kurti popierinius modelius. „Popierinių kurjerių“ žurnalistai ir visuomenė praminė Eliza Debbs ir Harry Gordon, kurie gamino sukneles už tris dolerius. Tačiau ne visi dizaineriai buvo tokie demokratiški – dažnai popierinių modelių kainas buvo galima palyginti su mados apranga. Niujorke, Madison Avenue, atidarytas butikas „Parafenaliya“, prekiaujantis madingais plastikiniais ir popieriniais drabužiais. "Tas, kuris su patosu elgiasi su drabužiais, yra šlykštus. Juk tai tik drabužiai. Tai turėtų būti juokinga, negalima į tai žiūrėti rimtai", - jaunimo nuotaikas išreiškė vienas iš "Paraphenalia" įkūrėjų Paulas Youngas. buvo kultinio butiko įkūrėjas.

Menas madoje

Populiarėjant paveikslams „Žalieji kokakolos buteliai“ ir „Kembelo sriubos skardinės“ Warholas savo garsiuosius piešinius pradėjo perkelti į audinį. „Campbell“. Kiti dizaineriai savo modeliuose taip pat naudojo pop meno raštus, todėl pakartotinis pažįstamų objektų perkėlimas ant audinio tapo viena ryškiausių septintojo dešimtmečio mados tendencijų.

Jei kino įtaka madai buvo jaučiama ankstesniais dešimtmečiais, tai tapyba į mados industriją prasiskverbė tik šeštajame dešimtmetyje. Kita tendencija, kuri plačiai atsispindėjo masinėje aprangoje, buvo op-art stilius. Šio stiliaus paveikslai buvo pagrįsti apšvietimo efektais ir juodos spalvos kontrastu baltos gėlės. Tendencija išreikšti žmogaus jausmus naudojant optinius efektus prasidėjo šeštajame dešimtmetyje, o plačiai paplito septintojo dešimtmečio viduryje. Nespalvotos kontrastingos drobės publiką dažnai svaigindavo, o op-art stilius mados kūrėjus traukė grafiniu paprastumu ir naujumu. Paprastai tokie drabužių modeliai buvo paprasto kirpimo, tačiau tai daugiau nei kompensavo ant audinio pavaizduoti iškreipti raštai. geometrines figūras, stilizuoti apskritimai ir vienspalvės spiralės bei juostelės. "Nauja piešimo ant audinio banga buvo vadinama op-art. Šiuolaikinė architektūra ir tapyba tampa dizaino pagrindu. Romantizmo nėra nė pėdsako", – 1966 m. rašė žurnalas "Neue Mode".

Naujoji, kiek ekscentriška mada itin patiko paaugliams. Tarp mados dizainerių, kuriuos įkvėpė naujos tapybos tendencijos, buvo Larry Aldrich, Andre Kurrezh. Pastarasis 1965 metais visuomenei pristatė kolekciją pagal Piet Mondrian, vieno iš abstrakčios tapybos pradininkų, kūrybą. Mados dizaineriai pasiūlė didžiulę beprotiškų aksesuarų ir spalvų kontrastų įvairovę, tačiau būtent juodos ir baltos spalvos priešprieša tapo tikru dešimtmečio hitu. Nuo septintojo dešimtmečio dizaineriai nuolat sėmėsi idėjų iš kitų meno formų, taip patvirtindami, kad grožis nėra pastovi, o kintama kategorija.

„Radikalus prašmatnumas“ ir subkultūrų stilius

Kartu su pasaulio mados sostinėmis Paryžiumi ir Milanu, Londonas pradėjo diktuoti savo stilių septintajame dešimtmetyje. Žymiausi leidiniai Anglijos sostinę vadino nauju stiliaus ir mados centru, o britų dizaineriai, nepaisydami konservatyvaus Paryžiaus, siūlė ekstravagantiškus modelius, tapusius tikru dešimtmečio simboliu.

Pasibaigus Antrajam pasauliniam karui ir įveikus krizę, finansinė padėtis Europos šalyse ėmė gerėti. Jaunimas daugiau laiko skyrė muzikai, filmams ir kitoms pramogoms. Taigi amerikietiška džinsų ir odinių švarkų mada prasiskverbė į Londono stilių, o emigrantai iš buvusių britų kolonijų į Anglijos sostinę atsinešė vakarų Indijos stilių. Nauja kryptis, susiformavusi veikiant įvairioms tendencijoms ir kultūroms, daugiausia buvo orientuota į paauglius. Londono gatvėse tuo metu buvo galima sutikti ir tautiškai pasipuošusių jaunuolių, ir marškinėliais bei dėvėtais džinsais pasipuošusių „maištininkų“. 1966 m. žurnalas „Time Magazine“ paskelbė straipsnį pavadinimu „Londonas yra sūpuoklių miestas“. Dešimtmečio pabaigoje ekrane pasirodė filmai, atspindintys to laikotarpio revoliucinę dvasią: Michelangelo Antonioni „Blowup“ ir Nicholaso Roego „Spektaklis“. Tuo pat metu kultine „siūbuojančio Londono“ vieta tapusioje Carnaby gatvėje atsirado mažmeninės prekybos parduotuvės. 1960-aisiais butikai jaunimui siūlė revoliucinius dizainus, o ši gatvė visame pasaulyje išgarsėjo kaip nepriklausomos mados centras.

Šeštojo dešimtmečio maištingos nuotaikos persikėlė į šeštąjį dešimtmetį. Šiuo laikotarpiu net paaugliai iš turtingų šeimų rengėsi dėvėtais drabužiais, pabrėždami savo išskirtinumą ir protestą prieš vartotojišką visuomenę. Didžiuosiuose miestuose išpopuliarėjo turgūs su retro drabužiais, paaugliai nebijojo derinti skirtingų epochų senamadiškų dalykų, nesirūpindami mada. Nors pasiturintys jaunuoliai savo subkultūrą demonstravo sąmoningai dėvėdami senus drabužius, paaugliams iš neturtingų šeimų ši tendencija tapo galimybe prisitaikyti ir neleisti pinigų. Tačiau maištingą dvasią šaipėsi daugelis žurnalistų, kurie stilizuotą skurdą pavadino pasityčiojimu iš tikro skurdo. Amerikiečių rašytojas Tomas Wolfe'as apie jaunus žmones kalbėjo kaip apie kaprizingus vaikus, žaidžiančius revoliuciją, o patį aprangos stilių pavadino „radikaliai prašmatniu“. Mados kūrėjai, stengdamiesi įtikti pasikeitusiems skoniams, modelius pradėjo kurti 30-40-ųjų stiliumi, tačiau retro stiliaus dizainerių drabužiai nebuvo itin populiarūs – kontrkultūra ignoravo madą.

Damų stiliaus ir visų ankstesniais dešimtmečiais populiarių tendencijų atmetimas paskatino ryškiausią ir masiškiausią šeštojo dešimtmečio antrosios pusės judėjimą – hipius. Meilę ir taiką propaguojantys, nesutinkantys su savo valstybių politika „gėlių vaikai“ apsirengę egzotiškais iš kitų šalių atvežtais drabužiais: Pietų Amerikos ponču, indiškomis tunikomis ir eskimų galvos apdangalais. Ryškią ir gausiai išsiuvinėtą hipių apdarą papildė masyvūs papuošalai – daugiausia indiškos apyrankės ir diržai. Hipių filosofija tapo tokia populiari, kad daugelis mados dizainerių paskelbė apie funkcionalizmo nuosmukį. "Skirtingai romantiškas stilius ir art nouveau stilius, liaudies ir sporto stiliai, derinami su spalvingais meksikietiškais drabužiais, šiandien mėgaujasi nepaprasta sėkme“, – rašė žurnalas „Neue Mode“.Neįprasti, ryškūs ir patrauklūs indėnų motyvai septintajame dešimtmetyje užfiksavo visą Europą ir Ameriką, o dabar dėvi jaunimas. švarkai „jeti“, spalvingi sijonai, platėjančios kelnės, turkiškos kelnės, siuvinėti marškiniai ir ilgi kailiniai.Nepaisant to, kad patys subkultūrų atstovai skeptiškai žiūrėjo į madą, blizgūs leidiniai rašė, kad naujas Stilius nusipelno ypatingo dėmesio ir gali turėti rimtos įtakos mados industrijai.

Dešimtmečio pabaigoje ryškūs psichodeliniai drabužiai iš dirbtinių medžiagų nublanko į antrą planą, o karinis stilius tapo tikru hitu. Karinių daiktų naudojimas Kasdienybė taip pat buvo savotiškas protestas, kilęs po 1968 m. per Europą nusiritusių protestų: taip jaunuoliai bandė suteikti mūšiams skirtą aprangą taikaus pobūdžio. Kamufliažas su šiurkščiais lopais buvo papuoštas taikos simboliais, sijonai ir kareiviško stiliaus batai buvo nudažyti raudona spalva ir rožinės spalvos. Tokiais drabužiais dėvėjo įvairių subkultūrų atstovai, ypač populiarūs buvo švarkai. dideli dydžiai su JAV oro pajėgų simboliais. Tuo pačiu metu mados dizaineriai pradėjo eksperimentuoti su alyvuogių žalia spalva, vadinama chaki.

Minimalizmo tendencija ir pagrindinis dešimtmečio simbolis

1960-aisiais plačiai paplito drabužiai iš elastingų audinių. Mintis, kad drabužių spintoje turėti daug daiktų yra nepatogu ir kad moterys gali lengvai apsieiti su vos keliais pagrindiniais modeliais, mados dizainerius aplankė dar XX amžiaus trečiajame ir ketvirtajame dešimtmečiuose. Claire McCardell 1934 metais pasiūlė visą stilių ir modelių įvairovę pakeisti keliais pagrindiniais elementais, o kito dešimtmečio pradžioje pirmoji sukūrė triko – pėdkelnes su ilgomis rankovėmis- ir padarė jį įvaizdžio pagrindu. pagrindiniai dalykai drabužių spinta mados dizaineris laikė juodą vėžlį ir pėdkelnes. Idėja derinti kelis paprastus dalykus išties išpopuliarėjo šeštajame dešimtmetyje, kai moterų buvo prašoma savo garderobe turėti tik viršutinę dalį, švarką, sijoną ir kelnes.

Šiuo laikotarpiu drabužių kiekį sumažinti iki minimumo leido atsiradę elastingi audiniai. 1960-aisiais mados dizaineris Giorgio di Sant'Angelo pradėjo ieškoti naujų audinių kūrimo būdų. Jis dirbo su vilnos ir akrilo siūlais, taip pat išrado elastingą šilką, kuris gali ištempti bet kuria kryptimi. Ir maudymosi kostiumėliai, ir vakarinės viršutinės dalies buvo siuvamos iš tampraus šilko ir likros. Kostiumų dizaineris Jacquesas Fonterey 1968 metais rašė: „Esu tikras, kad pėdkelnės ar viena iš jų atmainų taps pagrindiniu ateities aprangos elementu“. Fonterey buvo teisus: būtent elastiniai septintojo dešimtmečio modeliai buvo kūrimo pagrindas. modernūs drabužiai- nuo sportinių kostiumų iki vakarinių suknelių.

1960-ieji buvo dar vienas dešimtmetis, visiškai pakeitęs standartų idėją moteriškas grožis. Jei po karo mados kūrėjai daugiausia dėmesio skyrė šeimos motinoms ir formų moterims, tai šeštajame dešimtmetyje androginija vėl atėjo į madą, o garsioji tapo naujų patrauklumo standartų simboliu. Liekna paauglė naiviai atmerktomis akimis atsidūrė ant pirmaujančių blizgančių leidinių viršelių, o merginos visame pasaulyje pradėjo laikytis griežtų dietų, norėdamos būti panašios į savo stabą. Twiggy tapo pirmuoju modeliu, kurio įvaizdis įkūnijo dešimtmečio idealus, mados dizaineriai kūrė drabužius lieknos merginos su berniukiškomis figūromis. Mados žurnaluose ir plakatuose ji pasirodė su mini sijonėliais ir Mary Quant suknelėmis bei įkūnijo septintajame dešimtmetyje itin populiarų „lėlės“ stilių. Kartu su gerbėjais Twiggy turėjo ir piktadarių – daugelis žurnalistų ją vadino skausmingai liekna ir „alkana“ mergina, tačiau tai nesutrukdė plisti androginijos madai – šeštajame dešimtmetyje vyrai dažnai eidavo su ilgi plaukai o jaunoms moterims pirmenybę teikia trumpi kirpimai ir mini sukneles, taip išreikšdamos nenorą suaugti.

Didelio atgarsio sulaukę septintojo dešimtmečio debiutai

Šeštasis dešimtmetis buvo puikios karjeros pradžia, kuri garsiai paskelbė apie save dešimtmečio pradžioje. 1957 m., mirus Christianui Diorui, 21 metų Saint Laurent'as pradėjo eiti Dior namų kūrybos direktoriaus pareigas. Tačiau jau 1960 metais jaunasis mados dizaineris sukūrė paskutinę savo prekės ženklo kolekciją: „Dior“ vadovai nusprendė, kad jaunasis dizaineris neturi teisės primesti aukštosios mados gerbėjų. gatvės stilius, ir atsisveikino su Saint Laurent. Po dvejų metų kurjė savo vardu išleido pirmąją kolekciją, kuriai sukūrė dvieilį švarką su auksinėmis sagomis ir šilkines kelnes. Vėliau šį modelį naudojo pats mados kūrėjas ir daugelis kitų dizainerių.

Yvesas Saint Laurentas buvo vienas pirmųjų mados dizainerių, nepabijojęs kurti revoliucinių op-art ir pop meno stiliaus drabužių, taip pat pasiūlė „Afrikos“ ir „Safari“ stiliaus moterų smokingą ir aprangą. Jis drąsiai derino ryškiausias spalvas, skaisčiai rožinę suknelę papildydamas prie kanarėlės švarko, juodą derindamas su ruda, oranžinę su raudona ir violetinę su mėlyna.

Kitas didelio atgarsio dešimtmečio debiutas – italų „prašmatnumo šeicho“ Valentino Garavani pasirodymas mados pasaulyje. Išsilavinęs Paryžiuje, šeštojo dešimtmečio pabaigoje jis grįžo į gimtąją Italiją, kur atidarė mados namus, kurie pasauliui pristatė ikonines raudonas sukneles. Ryškios suknelės tapo Garavani „vizitine kortele“, o dizainerė išskyrė trisdešimt raudonos atspalvių. Didelio atgarsio Valentino tarptautinis debiutas įvyko 1962 m., o 1968 m. buvo išleista jo garsioji „balta kolekcija“, kurią sudaro vien balti daiktai. Tuo pačiu metu mados kūrėja pirmą kartą panaudojo „V“ logotipą. Moteriškos Valentino suknelės tapo prabangaus gyvenimo simboliais, o Holivudo žvaigždės užplūdo kurjerį užsakymais. 1968 metais nėriniuota suknelė iš Garavani, kurioje ji ištekėjo už Aristotelio Onassio, pateko į beveik visų pirmaujančių leidinių puslapius.

Šiandien galite rasti daug įvairių drabužių, kurie skiriasi stiliumi, stiliumi, kirpimu ir spalvomis. Tačiau kai kurie nuostabiausi, ko gero, yra sukurti op-art stiliumi.

Op meno istorija

Kaip mados tendencija, op menas aprangoje pasirodė praėjusio amžiaus 50-60-ųjų slenkstyje ir tapo viena iš to meto naujovių. Pavadinimas sutrumpintas, jis visiškai tariamas kaip „optinis menas“ ir išverstas iš angliškai tikrąja to žodžio prasme – optinis menas.

Jo esmė slypi tame, kad besikartojančių geometrinių formų pagalba sukuriamas tūrio ar judesio efektas ant absoliučiai plokščio paviršiaus. Su tokiais piešiniais esame susipažinę jau seniai, bet niekada nesusimąstėme, kaip jie vadinasi.

Iš pradžių op meną naudojo menininkai. Ir, remiantis istoriniais duomenimis, jos įkūrėju tapo Viktoras Vasarely, kuris 1938 metais nutapė savo legendinį paveikslą „Zebrai“.

Pirmieji, kurie nusprendė panaudoti iliuziją audiniuose, buvo amerikiečių dizaineriai. Dėl naujo požiūrio joms pavyko sukurti apdarus, kurie vizualiai „išlygino“ figūrą, todėl krūtinė ir klubai buvo išraiškingesni, o juosmuo – plonesnis.

Vienas iš jų buvo Yvesas Saint Laurentas, 1965–1966 metų rudens-žiemos metu naudojęs dideles ir kokteilines sukneles. Šiandien op menas sugrįžo dėl „Vogue“ 2001 m. „Op position“ fotosesijos su optiniais spaudiniais.

Šiuolaikiniai menininkai sugeba sukurti tokius piešinius, kurie mūsų žvilgsnyje juda bangomis ar keičia savo formą. Nors gerai įsižiūrėjus atrodo, kad viskas taip ir liko, kaip buvo vienu metu, vėlgi atrodo, kad kažkas pasikeitė. Įdomus požiūris, turiu pasakyti.

Op menas šiandien

Aukštoji mada niekada neatsilieka nuo tokių naujovių, todėl op-art drabužiuose buvo galima rasti ir pernai, ir šiemet. Be to, jis reguliariai rasdavo savo pritaikymą daugelyje garsiausių prekės ženklų kolekcijų. Taigi, geometrinės figūros patiko prekiniams ženklams Alexander McQueen, Anna Sui, Roberto Cavalli, Yves Saint Laurent, Clemens Ribiero, Top Shop ir daugeliui kitų.

Jie plačiai naudojo rombus, trikampius, įstrižas ir tiesias linijas, taip pat tekančius gėlių raštus ir tiesiog abstrakčias formas. Kalbant apie spalvą, čia pagrindinė taisyklė yra kontrastingų ir derinys ryskios spalvos, todėl tokio stiliaus drabužiai negali būti pilki ir nepastebimi. Svarbiausi atspalviai, žinoma, yra juoda ir balta. Iš jų galite padaryti neįtikėtiniausius variantus.

2012-2013 rudens-žiemos sezoną tokio stiliaus apdarus buvo galima išvysti Rochas, Prada, Versus ir Miu Miu darbuose. Louis Vuitton 2013 m., kur pagrindinis modelis buvo juoda, balta, geltona, žalia, ruda ir kitos ryškios spalvos.

Op meno stiliaus drabužių pasirinkimo taisyklės

Pirkdami op art stiliaus drabužius, turite suprasti, kad su jo pagalba galite pasiekti tobulesnę išvaizdą. Taigi, patamsintos linijos išilgai šonų vizualiai padaro moterį lieknesnę, o horizontalios linijos per visą suknelės ilgį ploną merginą mažu biustu gali paversti gana išraiškinga gražuole. Panašiai vertikalūs piešiniai leidžia atrodyti aukštesni.

Šiuos drabužius labai gera naudoti apkūnioms merginoms. Tai gali būti atliekama prancūzišku metodu, kuriuo siekiama pabrėžti pagrindinius figūros privalumus, arba rusišku metodu, skirtu trūkumams paslėpti.

Tačiau formuodami savo įvaizdį iš tokių aprangų, turite būti ypač atsargūs, kad atrodytumėte gražiai, o ne patraukliai ir neišvaizdžiai. Norėdami tai padaryti, reikia turėti omenyje, kad esant kostiumui, kurio viršuje ir apačioje yra vadinamųjų psichodelinių raštų, aksesuarus reikėtų rinktis monotoniškus ir kuo ramesnius. Prie viso to tinka ir vientisos spalvos sankaba bei tokie pat batai.

Jei pageidaujate, netgi galite derinti du skirtingus geometrinius spaudinius, svarbiausia, kad jie būtų vienodos spalvų schemos arba vienodų raštų formų. Tačiau visiškai įmanoma op-art derinti su visiškai skirtingais piešiniais - gyvūniškais ar gėlių. Pastaruoju atveju svarbu, kad vienas iš jų būtų dominuojantis, o kitas – vienas kitą papildantis.

Čia yra tokia įdomi kryptis, į kurią būtinai reikia atkreipti dėmesį, jei norite atrodyti gražiai ir neįprastai.

"Kuo kvailiau, tuo geriau!"

Bene ekstravagantiškiausia septintojo dešimtmečio mados tendencija buvo kosminis stilius. 1961 m., ir tai turėjo įtakos ne tik mokslo raidai, bet ir madai. Dizaineriai buvo įkvėpti naujų perspektyvų ir pradėjo kurti keistus, „svetimus“ modelius. „Kosmoso mados“ pradininkas buvo dizaineris André Courrèges, kurio gerbėjai avėjo mėnulio batus ir teniso kamuoliukų formos akinius nuo saulės. Courrèges kūrė trumpas, vaikiškas sukneles, papuošdamas jas žėrinčiais blizgučiais ir neįprastais aksesuarais.

Tokiems modeliams labiau tinka dirbtinės, o ne natūralios medžiagos - sintetika, plastikas, vinilas. Mados kūrėjai sukneles puošė vinilinėmis plokštelėmis ir jomis tvirtino maudymosi kostiumėlių elementus. Metalas taip pat buvo naudojamas kaip medžiaga. Žinoma, gatvėse neprigijo blizgantys kombinezonai, keisti šalmai ir akių skydeliai, tačiau podiumai tuo metu buvo pilni neįprastų „kosminių“ modelių, kuriuos kūrė žinomi mados dizaineriai ir.

Sintetinio pluošto mada pamažu peraugo į tendenciją kurti drabužius iš medžiagų, kurios anksčiau buvo naudojamos visai kitoms reikmėms. Dizaineriai eksperimentavo su medžiagomis, skirtomis kosminiams kostiumams, sportinei aprangai ir karinėms uniformoms. Modeliai podiumais žengė su vinilu ir dakronu, kurie ankstesnių dešimtmečių konservatyvios Paryžiaus mados fone atrodė itin originaliai ir net revoliucingai. Dizainerių pasiūlytų aprangų ekscentriškumas buvo laikomas pliusu – daugeliui septintasis dešimtmetis prabėgo su šūkiu: „Kuo beprotiškiau – tuo geriau! Kartu su „plastiko“ ir „vinilo“ tendencija, šiuo laikotarpiu mados pasaulyje plūstelėjo ir „popieriaus bumas“.

Pagavę naują masinės gamybos tendenciją, dizaineriai pradėjo kurti popierinius modelius. „Popierinių kurjerių“ žurnalistai ir visuomenė praminė Eliza Debbs ir Harry Gordon, kurie gamino sukneles už tris dolerius. Tačiau ne visi dizaineriai buvo tokie demokratiški – dažnai popierinių modelių kainas buvo galima palyginti su mados apranga. Niujorke, Madison Avenue, atidarytas butikas „Parafenaliya“, prekiaujantis madingais plastikiniais ir popieriniais drabužiais. "Tas, kuris su patosu elgiasi su drabužiais, yra šlykštus. Juk tai tik drabužiai. Tai turėtų būti juokinga, negalima į tai žiūrėti rimtai", - jaunimo nuotaikas išreiškė vienas iš "Paraphenalia" įkūrėjų Paulas Youngas. buvo kultinio butiko įkūrėjas.

Menas madoje

Jei kino įtaka madai buvo jaučiama ankstesniais dešimtmečiais, tai tapyba į mados industriją prasiskverbė tik šeštajame dešimtmetyje. Kita tendencija, kuri plačiai atsispindėjo masinėje aprangoje, buvo op-art stilius. Šio stiliaus paveikslai buvo paremti apšvietimo efektais ir juodos ir baltos spalvos kontrastu. Tendencija išreikšti žmogaus jausmus naudojant optinius efektus prasidėjo šeštajame dešimtmetyje, o plačiai paplito septintojo dešimtmečio viduryje. Nespalvotos kontrastingos drobės publiką dažnai svaigindavo, o op-art stilius mados kūrėjus traukė grafiniu paprastumu ir naujumu. Paprastai tokie drabužių modeliai būdavo paprasto kirpimo, tačiau tai daugiau nei kompensavo ant audinio pavaizduotos iškreiptos geometrinės figūros, stilizuoti apskritimai ir vienspalvės spiralės bei juostelės. "Nauja piešimo ant audinio banga buvo vadinama op-art. Šiuolaikinė architektūra ir tapyba tampa dizaino pagrindu. Romantizmo nėra nė pėdsako", – 1966 m. rašė žurnalas "Neue Mode".

„Radikalus prašmatnumas“ ir subkultūrų stilius

Damų stiliaus ir visų ankstesniais dešimtmečiais populiarių tendencijų atmetimas paskatino ryškiausią ir masiškiausią šeštojo dešimtmečio antrosios pusės judėjimą – hipius. Meilę ir taiką propaguojantys, nesutinkantys su savo valstybių politika „gėlių vaikai“ apsirengę egzotiškais iš kitų šalių atvežtais drabužiais: Pietų Amerikos ponču, indiškomis tunikomis ir eskimų galvos apdangalais. Ryškią ir gausiai išsiuvinėtą hipių apdarą papildė masyvūs papuošalai – daugiausia indiškos apyrankės ir diržai. Hipių filosofija tapo tokia populiari, kad daugelis mados dizainerių paskelbė apie funkcionalizmo nuosmukį. „Priešingai nei romantiškas ir Art Nouveau stilius, liaudiškas ir sportiškas stilius kartu su spalvingais meksikietiškais drabužiais šiandien sulaukia nepaprastos sėkmės“, – rašė žurnalas „Neue Mode“. Neįprasti, ryškūs ir patrauklūs indėnų motyvai praėjusio amžiaus septintajame dešimtmetyje užfiksavo visą Europą ir Ameriką, o dabar jaunimas dėvėjo jetijinius švarkus, spalvingus sijonus, platėjančias kelnes, turkiškas kelnes, siuvinėtus marškinius ir ilgus kailinius. Nepaisant to, kad patys subkultūrų atstovai skeptiškai žiūrėjo į madą, blizgūs leidiniai rašė, kad naujasis stilius nusipelno didelio dėmesio ir gali turėti rimtos įtakos mados industrijai.

Dešimtmečio pabaigoje ryškūs psichodeliniai drabužiai iš dirbtinių medžiagų nublanko į antrą planą, o karinis stilius tapo tikru hitu. Karinių daiktų naudojimas kasdieniame gyvenime taip pat buvo savotiškas protestas, kilęs po 1968-aisiais per visą Europą nusiritusių protestų: tokiu būdu jaunimas mūšiams skirtai aprangai stengėsi suteikti taikų pobūdį. Taikos simboliais puoštas kamufliažas su šiurkščiais lopais, raudona ir rožine spalvomis dažyti sijonai ir kareiviško stiliaus batai. Tokiais drabužiais dėvėjo įvairių subkultūrų atstovai, ypač populiarūs buvo oversized švarkai su JAV oro aviacijos simbolika. Tuo pačiu metu mados dizaineriai pradėjo eksperimentuoti su alyvuogių žalia spalva, vadinama chaki.

Minimalizmo tendencija ir pagrindinis dešimtmečio simbolis

1960-aisiais plačiai paplito drabužiai iš elastingų audinių. Mintis, kad drabužių spintoje turėti daug daiktų yra nepatogu ir kad moterys gali lengvai apsieiti su vos keliais pagrindiniais modeliais, mados dizainerius aplankė dar XX amžiaus trečiajame ir ketvirtajame dešimtmečiuose. Claire McCardell 1934 metais pasiūlė pakeisti visą stilių ir modelių įvairovę keliais pagrindiniais elementais, o kito dešimtmečio pradžioje pirmoji sukūrė triko – ilgomis rankovėmis pėdkelnes – ir padarė jį įvaizdžio pagrindu. Mados kūrėja pagrindine garderobo dalimi laikė juodą vėžlį ir pėdkelnes. Idėja derinti kelis paprastus dalykus išties išpopuliarėjo šeštajame dešimtmetyje, kai moterų buvo prašoma savo garderobe turėti tik viršutinę dalį, švarką, sijoną ir kelnes.

Šiuo laikotarpiu drabužių kiekį sumažinti iki minimumo leido atsiradę elastingi audiniai. 1960-aisiais mados dizaineris Giorgio di Sant'Angelo pradėjo ieškoti naujų audinių kūrimo būdų. Jis dirbo su vilnos ir akrilo siūlais, taip pat išrado elastingą šilką, kuris gali ištempti bet kuria kryptimi. Ir maudymosi kostiumėliai, ir vakarinės viršutinės dalies buvo siuvamos iš tampraus šilko ir likros. Kostiumų dizaineris Jacquesas Fonterey 1968 metais rašė: „Esu tikras, kad pėdkelnės ar viena iš jų atmainų taps pagrindiniu ateities aprangos elementu“. Fonterey pasirodė teisus: būtent elastiniai septintojo dešimtmečio modeliai buvo pagrindas kuriant šiuolaikiškus drabužius – nuo sportinių kostiumų iki vakarinių suknelių.

1960-ieji buvo dar vienas dešimtmetis, visiškai pakeitęs idėją apie moteriško grožio standartus. Jei po karo mados kūrėjai daugiausia dėmesio skyrė šeimos motinoms ir formų moterims, tai šeštajame dešimtmetyje androginija vėl atėjo į madą, o garsioji tapo naujų patrauklumo standartų simboliu. Liekna paauglė naiviai atmerktomis akimis atsidūrė ant pirmaujančių blizgančių leidinių viršelių, o merginos visame pasaulyje pradėjo laikytis griežtų dietų, norėdamos būti panašios į savo stabą. Twiggy tapo pirmuoju modeliu, kurio įvaizdis įkūnijo dešimtmečio idealus, mados dizaineriai kūrė drabužius itin lieknoms berniukiškos figūros merginoms. Mados žurnaluose ir plakatuose ji pasirodė su mini sijonėliais ir Mary Quant suknelėmis bei įkūnijo septintajame dešimtmetyje itin populiarų „lėlės“ stilių. Kartu su gerbėjais Twiggy turėjo ir piktadarių – daugelis žurnalistų ją vadino skausmingai liekna ir „alkana“ mergina, tačiau tai nesutrukdė plisti androginijos madai – šeštajame dešimtmetyje vyrai dažnai vaikščiodavo ilgais plaukais, o jaunos moterys pirmenybę teikdavo. trumpų kirpimų ir mini suknelių, taip išreiškiant nenorą suaugti.

Didelio atgarsio sulaukę septintojo dešimtmečio debiutai

Šeštasis dešimtmetis buvo puikios karjeros pradžia, kuri garsiai paskelbė apie save dešimtmečio pradžioje. 1957 m., mirus Christianui Diorui, 21 metų Saint Laurent'as perėmė Dioro namų kūrybos direktoriaus pareigas. Tačiau jau 1960 metais jaunasis mados kūrėjas sukūrė paskutinę savo prekės ženklo kolekciją: „Dior“ vadovai nusprendė, kad jaunasis dizaineris neturi teisės primesti aukštosios mados gerbėjams gatvės stiliaus, ir atsisveikino su Saint Laurent. Po dvejų metų kurjė savo vardu išleido pirmąją kolekciją, kuriai sukūrė dvieilį švarką su auksinėmis sagomis ir šilkines kelnes. Vėliau šį modelį naudojo pats mados kūrėjas ir daugelis kitų dizainerių.

Kitas didelio atgarsio dešimtmečio debiutas – italų „prašmatnumo šeicho“ Valentino Garavani pasirodymas mados pasaulyje. Išsilavinęs Paryžiuje, šeštojo dešimtmečio pabaigoje jis grįžo į gimtąją Italiją, kur atidarė mados namus, kurie pasauliui pristatė ikonines raudonas sukneles. Ryškios suknelės tapo Garavani „vizitine kortele“, o dizainerė išskyrė trisdešimt raudonos atspalvių. Didelis Valentino debiutas tarptautiniu mastu įvyko 1962 m., o 1968 m. buvo išleista jo garsioji „balta kolekcija“, kurią sudaro vien balti daiktai. Tuo pačiu metu mados kūrėja pirmą kartą panaudojo „V“ logotipą. Moteriškos Valentino suknelės tapo prabangaus gyvenimo simboliais, o Holivudo žvaigždės užplūdo kurjerį užsakymais. 1968 m. nėriniuota suknelė iš Garavani, kurioje ji ištekėjo už Aristotelio Onassis, pateko į beveik visų pirmaujančių leidinių puslapius.