Оп арт у моді. Стиль оп-арт в одязі. Тенденція до мінімалізму та головний символ десятиліття

Оп-арт(Від англійського поняття optical art) - створення за допомогою геометричних фігур ілюзії руху на плоскій поверхні. При створенні одягу стиль оп-арту використовуються яскраві контрастні кольори між собою.

Історія появи

1938 року Віктор Вазарелі представив свою картину «Зебри», яка стала першим культовим твором у стилі оп-арт. Тоді ж уперше новий геопринт стали використовувати на сумках модного будинку Hermes, але остаточну популярність стиль набув лише 1965 року, коли роботи в ньому були представлені в Нью-Йорку на виставці The Responsive Eye.

У цей же час на геометричний принт звернув увагу Ів Сен Лоран, який випустив колекцію коктейльних суконь прямого силуету з яскравими великими клітинами. У цих суконь був звичайнісінький і простий крій без рукавів і коміра. Назву сукні отримали на честь натхненника – «Модріан».

За великим кутюр'є пішли: творець міні-спідниць Мері Куант, Ларрі Олдрич, Андре Курреж, - всі вони випустили сукні та аксесуари з незвичайними геометричними принтами та формами у стилі оп-арт. Одночасно з випуском колекцій цих дизайнерів модні журнали стали друкувати на своїх сторінках фото в одязі з візерунками з квадратів, трикутників і ромбів. Геометричний принт у різних варіаціях визнали символом десятиліття.

2001 року відбулося відродження цього принта. Оп-арт у одязі з'явився на сторінках французького Vogue. Через десять років модельєри стали використовувати цей стиль в одязі. Сукні з геометричними візерункамибули представлені всіма провідними будинками моди, а модельєри, що працюють під брендом Луї Віттон, сукні розшили рівним різнокольоровим камінням.

З чим та як носити одяг оп-арт?

Найкращий спосіб виглядати стильно – поєднувати оп-арт в одязі з однотонними предметами гардеробу. Так ви точно не перевантажите свій образ активними принтами та квітами.

Якщо ви маєте від природи розвинене почуття стилю, то можна грамотно міксувати різні геометричні принти в одному образі або одягати одяг оп-арт разом з квітковими, орієнтальними та анімалістичними мотивами. Якщо ви хочете створити модний look з двома геопринтами, то дотримуйтесь правил одного кольору: обидва предмети в гардеробі повинні мати хоча б єдиний загальний відтінок.

Візуально такий одяг може приховати практично будь-які недоліки фігури, витягнути силует та забрати зайві обсяги. Чим простіше буде скроєна річ, тим краще вона виглядатиме. При виборі одягу оп-арт потрібна обов'язкова примірка. З її допомогою ви зможете оцінити наскільки добре виглядає образ.

Оп-арт (або оптичне мистецтво) - це течія абстракціонізму, головним об'єктом якого є оптичні ілюзії, створені з метою обдурити око глядача. Ця течія тісно пов'язана з кінетизмом - напрямом у сучасному мистецтві, що фокусується на створенні руху або його ілюзії.

Оп-арт використовує головним чином геометричні фігури, які у чіткої математичної проекції те щоб створювалася ілюзія руху, глибини чи коливань. Перші роботи у цьому напрямі створювалися з використанням ахроматичної палітри кольорів (білий, чорний та сірий), яка дозволяла досягти ідеального контрасту.

Вважають, що основоположником течії є французький художник-кінетик Віктор Вазарелі. Оп-арт також пов'язують з абстрактним експресіонізмом, кубізмом та дадаїзмом.

Історичний контекст

Протягом багатьох століть художників цікавила теорія сприйняття кольору, форми та перспективи. Щоб удосконалити техніку живопису, майстри почали вивчати оптичні ефекти та ілюзії. Специфічність візуального сприйняття стала основою імпресіонізму, а інтерес до геометричних форм започаткував кубізм.

До середини XX століття всі ці інтереси, підживлені розвитком психології та безпрецедентним технічним прогресом, вилилися у нову течію. Шедеври оптичного мистецтва створюються з абстрактних форм, що знаходяться в різкому контрасті з фоном, таким чином, виходять ефекти, які одночасно заплутують та стимулюють візуальне сприйняттяглядачів.

Перші виставки привернули увагу широкої міжнародної публіки. Багатьом відвідувачам здавалося, що оп-арт є ідеальним напрямком мистецтва. сучасного світуз його новими досягненнями у техніці, психології, медицині, цифрових та телевізійних технологіях.

Історія виникнення оптичного мистецтва

Вперше термін "оп-арт" використали художник і письменник Дональд Джадд у критичному огляді виставки Джуліана Станчика «Оптичні картини». Нова назва була швидко підхоплена Times – стаття, присвячена цій же виставці, остаточно зміцнила оптичне мистецтво як окремий напрямок та нагородила його гучним ім'ям.

Незважаючи на те, що коріння цієї течії простежується ще в перших теоріях колірного сприйняття, сучасний оп-арт виник під впливом робіт Віктора Вазарелі, який одним із перших став вивчати оптичні ілюзії, що виникають за певного розташування фігур на полотні.

The Responsive Eye – апогей оптичного мистецтва

У середині XX століття серія міжнародних виставок привернула увагу до робіт у такому стилі як оп-арт. Вазарелі та його ідеї зацікавили не лише громадськість, а й інших художників, які побачили в оптичних ілюзіях змішання традиційного мистецтва та сучасних можливостей та інтересів. У 1965 році у знаменитому Нью-Йоркському музеї сучасного мистецтва(MoMA) відбулася виставка під назвою The Responsive Eye. Серед представлених 123 експонатів були не лише роботи Вазарелі, багато інших представників оп-арту отримали можливість показати публіці свої оптичні ілюзії. Серед них були такі художники, як Бріджет Райлі, Франк Стелла, Карлос Крус-Дієз та Хесус Рафаель Сото.

Загальне уявлення про оптичне мистецтво

Представники оп-арту були зацікавлені можливостями людського ока та зорового сприйняття, саме цього вони створювали різні композиції, дозволяють досліджувати феномени оптичного сприйняття і реакцію глядачів. Такі ефекти, як комбінаційні спотворення, засліплення, залишкові зображення, використовують точно прораховане розташування форм, кольорів, яскравості та контрасту, щоб стимулювати людське око.

В основному художники оп-арту використовували ахроматичну палітру, мотивуючи це тим, що чим сильніший контраст, тим чіткіша ілюзія. Без використання контурів на чорно-білих полотнах найважче визначити, який колір є тлом. Однак колір часто ставав інструментом для створення оптичних ілюзій, оскільки різні відтінки додають глибину зображенню так само, як контраст між відтінками різної інтенсивності пропонує нові можливості для експериментів.

Незважаючи на дивні та несподівані ефекти, оп-арт повністю відповідає канонам високого мистецтва, оскільки всі класичні полотна використовують ілюзію глибини та просторового зображення. Оптичне мистецтво розширює традиційну ілюзорність, розраховуючи психологічні правила візуального сприйняття.

Як створюються оптичні ілюзії

Оптичне мистецтво (оп-арт) як окремий рух спирається на фізіологічний та психологічний зв'язок між органом зору (очей) та органом сприйняття (мозок і нервова система). Певні візерунки та геометричні композиції здатні спричинити розбіжність між двома цими органами, таким чином, створюючи ірраціональні оптичні ефекти та ілюзії.

Ці ефекти можна розділити на дві основні категорії:

Ілюзія руху - викликана специфічним розташуванням контрастних геометричних фігур. Ефект сприйманого руху найлегше створити, використовуючи чорно-білу палітру.
Залишкові зображення - змушують мозок утримувати зображення та проектувати його на чисту поверхню відразу після того, як погляд глядача залишає об'єкт оп-арту. Такий ефект створюється за допомогою дуже яскравих та контрастних між собою кольорів.

Оп-арт у мистецтві

Критики вважають, що коріння оптичного мистецтва походить з геометричного абстракціонізму, який теж був породженням нового світу, що швидко змінюється. Однак тенденція фокусуватися строго на візуальних і перцептивних ефектах свідчить швидше про те, що більший вплив на стиль оп-арт справили ідеї майстрів бароко, які потім об'єдналися в технічний прийом, який називається «тромплей» (trompe-l'oeil). Його називають ще посиленою перспективою чи обманкою.

Представники оптичного мистецтва не відзначалися єдиним ідейним поривом. Одні з них створювали перцептивні ілюзії як експеримент над людським сприйняттям, інші намагалися внести мистецтво у широкі маси, створюючи нові, цікаві та стимулюючі проекти. Багато художників, які виконали шедеври оп-арту, не вважали себе частиною руху, і навіть геть-чисто відмовлялися визнавати його як окремий, самостійний напрямок.

Основні характеристики

Кожна художня течія має унікальні, неповторні характерні риси. Саме такі риси поділяють роботи, що належать кубізму, дадаїзму і конструктивізму, замість об'єднати їх під одним загальним куполом абстрактного мистецтва.

Оп-арт вилився в окрему течію саме завдяки низці унікальних характеристик:

Головна мета оптичного мистецтва – обдурити око глядача. Композиції побудовані так, що створюється дисонанс між органом зору та органом сприйняття, внаслідок якого виходить ілюзія руху чи будь-який інший оптичний ефект.
Через свої виключно геометричні форми оп-арт є нерепрезентативним течією, тобто представники оптичного мистецтва не намагаються зобразити конкретні предмети навколишньої реальності.
Використовувані елементи, серед яких колір, форми та лінії, вивчені та прораховані та створюють композицію з практично математичною точністю.
В оптичному мистецтві для композиції однакове значення має як тло, і перший план.
Головними технічними прийомами для створення оптичних ілюзій є перспектива та точне зіставлення форм та кольорів.

Оцінка критиків

Апогеєм оптичного мистецтва стала Нью-Йоркська виставка The Responsive Eye. Вона мала неймовірну популярність у широкої публіки, заінтригованої новим співвідношенням кольору та форми. Проте критики не удостоїли роботи та сам рух особливою увагою.

Деякі з художників і критиків, незважаючи на нове поєднання науки і мистецтва, виявилися затятими супротивниками стилю оп-арт, мотивуючи це тим, що виставка зібрала роботи художників, чиї цілі та ідеї настільки різні та суперечливі, що вони не можуть належати до однієї течії.

Завдяки інноваційним та комплексним візуальним ефектам оп-арт отримав миттєве визнання публіки, проте критики продовжували ставитися до нього з недовірою та поблажливістю, вважаючи стиль недійсним, швидкоплинним трендом, приреченим на повне забуття.

Оптичне мистецтво сьогодні

Критики були частково праві щодо швидкоплинності оп-арту. Після 1965 стиль досить швидко втратив свій потенціал. Можливо, причиною цього стала відсутність спільних цілей та ідейної бази чи блискавичний комерційний успіх оптичних ілюзій.

Через багато років після апогею оп-арту його репутація продовжує бути суперечливою. Деякі критики називають оптичні композиції «лоскотанням очей», інші порівнюють поп-арт та оп-арт, проводячи паралелі та називаючи оптичне мистецтво абстрактним поп-артом. Сьогодні такі ілюзії широко використовуються в індустрії моди, психології та цифрових технологіях.

Шістдесяті стали десятиліттям молодіжних субкультур, ексцентричної "паперової" та "пластикової" моди та мінімалізму. Європейські та американські підлітки протестували проти політики своїх держав, демонструючи негативне ставлення до суспільства споживання за допомогою одягу із секонд-хендів. Ігнорування молоддю дизайнерських моделей не завадило гучному дебюту Іва Сен-Лорана і Валентино Гаравані, який також припав на "шалені шістдесяті". "Якщо ви пам'ятаєте 60-ті, значить, ви тоді не жили", - говорив продюсер гурту The Doors Дік Вулф.

"Чим шаленіша - тим краще!"

Мабуть, найекстравагантнішим напрямом моди 1960-х став космічний стиль. У 1961 році і це вплинуло не тільки на розвиток науки, але і на моду. Дизайнери були натхненні новими перспективами та стали створювати химерні, "інопланетні" моделі. Першопроходцем у "космічній моді" був дизайнер Андре Курреж, шанувальники якого носили місячні черевики та Сонцезахисні окуляриу формі тенісних м'ячів. Курреж створював короткі, схожі на дитячі, сукні, прикрашаючи їх блискучими паєтками та незвичайними аксесуарами.

Для подібних моделей більш підходящими виявилися штучні, а не натуральні матеріали – синтетика, пластик, вініл. Модельєри прикрашали сукні вініловими пластинками і ними скріплювали елементи купальника. Як матеріал використовувався і метал. Звичайно, сяючі комбінезони, шоломи химерної форми та щити для очей не прижилися на вулицях, проте подіуми на той час рясніли незвичайними "космічними" моделями, над створенням яких працювали відомі модельєрита .

Мода на синтетичні волокна плавно переросла у тенденцію створювати одяг з матеріалів, що раніше використовувалися в зовсім інших цілях. Дизайнери експериментували з матеріалами, що виготовлялися для космічних скафандрів, спортивного одягуі військової форми. Моделі дефілювали за подіумами в одязі з вінілу та дакрону, який на тлі консервативної паризької моди попередніх десятиліть виглядав надоригінально і навіть революційно. Ексцентричність запропонованих дизайнерами нарядів вважалася плюсом - для багатьох 1960-ті пройшли під девізом: "Чим божевільніше - тим краще!". Поряд із "пластиковою" та "вініловою" тенденцією в цей період у світі моди протікав і "паперовий бум".

У 1966 року у США фабрика Скотта крім паперових предметів побуту стала випускати одяг. Паперові моделі були двох кольорів - чорно-білі та жовто-чорно-червоні. Колекцію назвали "Вибух кольору" і рекомендували міняти за допомогою ножиць, а лагодити, використовуючи аркуш паперу. Одягати подібну сукню можна було до п'яти разів, а продавалися моделі "паперової" моди у спеціальних магазинах. Виробники представляли нові костюми як втілення блискучої новаторської ідеї та витвір сучасного мистецтва.

Вловивши нову тенденціюв масовому виробництві, паперові моделі стали створювати та дизайнери. "Паперовими кутюр'є" журналісти та публіка охрестили Елізу Деббс та Гаррі Гордона, які випускали сукні по три долари за штуку. Проте не всі дизайнери були настільки демократичні – найчастіше ціни на паперові моделі могли зрівнятися з кутюрними вбраннями. У Нью-Йорку, на Медісон-авеню відкрився бутік "Парафеналія", де продавався супермодний пластиковий та паперовий одяг. "Той, хто з пафосом ставиться до одягу, огидний. Адже це лише одяг. Вона повинна бути смішною, її не можна сприймати серйозно", — озвучив настрої в молодіжному середовищі один із засновників "Парафеналії" Пол Янг, співзасновником культового бутіка був.

Мистецтво у моді

На фоні популярності картин "Зелені пляшки кока-коли" і "Банки супу "Кемпбелл" Уорхол почав переносити свої знамениті малюнки і на тканину. Створюючи одяг за власними ескізами, він випустив сукні "Бутилка", "Типкість", сорочку "Суп" "Кемпбелл". Малюнки в стилі поп-арт використовували у своїх моделях інші дизайнери, зробивши багаторазове перенесення звичних об'єктів на тканину однієї з найяскравіших тенденцій моди 1960-х.

Якщо вплив кінематографа на моду відчувалося і в попередні десятиліття, то живопис проник у фешн-індустрію якраз у шістдесяті. Ще однією течією, яка знайшла широке відображення у масовому одязі, став стиль оп-арт. Картини, виконані в цьому стилі, будувалися на світлових ефектах та контрасті чорного та білого квітів. Тенденція висловлювати людські почуття з допомогою оптичних ефектів виникла 1950-х, а повсюдне поширення набула вже у середині 1960-х. Чорно-білі контрастні полотна найчастіше викликали у глядачів запаморочення, а модельєрів стиль оп-арт приваблював графічною простотою та новизною. Зазвичай подібні моделі одягу були простого крою, що, зрештою, з лишком компенсувалося зображеними на тканині спотвореними. геометричними фігурами, стилізованими колами та монохромними спіралями та смугами. "Нова хвиля малюнку на тканині отримала назву оп-арт. Основою дизайну стають сучасна архітектура та живопис. Від романтизму не залишилося і сліду", - писав у 1966 році журнал Neue Mode.

Нова, у чомусь ексцентрична мода була дуже популярна у підлітків. Серед модельєрів, що надихалися новими течіями у живописі, були Ларі Олдріч, Андре Курреж, . Останній в 1965 представив публіці колекцію, засновану на творчості одного з основоположників абстрактного живопису Піта Мондріана. Модельєри пропонували величезну різноманітність шалених аксесуарів та колірних контрастів, проте саме протиставлення чорного та білого стало справжнім хітом десятиліття. Починаючи з 1960-х років, дизайнери постійно черпали ідеї в інших видах мистецтва, підтверджуючи тим, що краса – категорія не постійна, а змінна.

"Радикальний шик" та стиль субкультур

Поряд зі столицями світової моди Парижем та Міланом у 1960-х роках свій стиль став диктувати Лондон. Провідні видання називали англійську столицю новим центром стилю та моди, а британські дизайнери наперекір консервативному Парижу пропонували екстравагантні моделі, які стали справжнім символом десятиліття.

Після закінчення Другої світової війни та подолання кризи фінансова ситуація в європейських країнах почала покращуватись. Молоді люди приділяли більше часу музиці, кіно та іншим розвагам. Так у лондонський стиль проникла американська мода на джинси та косухи, а емігранти з колишніх британських колоній привнесли до столиці Англії стиль західної Індії. Новий напрямок, що сформувався під впливом найрізноманітніших віянь і культур, був орієнтований переважно на підлітків. На вулицях Лондона на той час можна було зустріти як молодих людей в етнічному вбранні, так і "бунтарів" у футболках та потертих джинсах. В 1966 журнал Time Magazine опублікував статтю під заголовком "Лондон - місто свінгу". Наприкінці десятиліття на екран вийшли фільми, що відобразили революційний дух того періоду: "Фотозбільшення" Мікеланджело Антоніоні та "Спектакль" Ніколаса Роуга. У цей же час на Карнабі-стріт, що стала культовим місцем "свингуючого Лондона", з'явилися магазини роздрібної торгівлі. У 1960-ті бутіки пропонували молоді революційні моделі, і ця вулиця уславилася на весь світ як центр незалежної моди.

Бунтарські настрої п'ятдесятих перекочували і до шістдесятих. У цей період навіть підлітки із заможних сімей одягалися у секонд-хендах, підкреслюючи свою винятковість та протест проти суспільства споживання. У великих містах популярними стали ринки з ретро-одягом, підлітки не боялися поєднувати старомодні речі з різних епох, не переймаючись модою. У той час як забезпечені молоді люди демонстрували свою приналежність до субкультури, навмисно одягаючи старі речі, для підлітків із бідних сімей ця тенденція стала можливістю відповідати віянням та не витрачати гроші. Бунтарський дух, однак, був висміяний багатьма журналістами, які називали стилізовану бідність глузуванням з бідності реальної. Американський письменник Том Вулф відгукувався про молодь, як про примхливих дітей, які грають у революцію, а сам стиль одягу назвав "радикальним шиком". Модельєри ж, намагаючись догодити смакам, що змінилися, почали створювати моделі в стилі 30-40-х років, проте дизайнерський одяг "під ретро" не користувався великою популярністю - контркультура ігнорувала моду.

Відмова від стилю леді та всіх тенденцій, популярних у попередні десятиліття, призвела до найяскравішого та наймасовішого руху другої половини шістдесятих – хіпі. "Діти квітів", які пропагували любов і світ, незгодні з політикою своїх держав одягалися в екзотичний одяг, привезений з інших країн: американське пончо, індійські туніки і головні убори ескімосів. Яскраві та рясно розшиті вбрання хіпі доповнювали масивними прикрасами – переважно індійськими браслетами та поясами. Філософія хіпі стала настільки популярною, що багато модельєрів констатували занепад функціоналізму. "На відміну від романтичного стилюі стилю ар-нуво, фольклорний і спортивний стилі разом зі строкатим мексиканським одягом користуються сьогодні надзвичайним успіхом", - писав журнал Neue Mode. ети", строкаті спідниці, розкльошені штани, турецькі шаровари, розшиті сорочки та шуби з довгого хутра. Незважаючи на те, що самі представники субкультур скептично ставилися до моди, глянсові видання писали про те, що новий стильзаслуговує на пильну увагу і здатний зробити серйозний вплив на фешн-індустрію.

Наприкінці десятиліття яскравий психоделічний одяг зі штучних матеріалів відійшов на другий план, а справжнім хітом став стиль мілітарі. Використання військових речей у повсякденному життітеж було своєрідним протестом, що пішов за протестами 1968 року, що прокотилися по Європі: так молодь намагалася надати одягу, призначеному для битв, мирний характер. Камуфляж із грубими латками прикрашали символами світу, спідниці та туфлі у стилі мілітарі прикрашали у червоний та рожевий кольори. Такий одяг носили представники різних субкультур, а особливо популярні були куртки великих розмірівіз символами повітряної авіації США. Тоді ж модельєри почали експериментувати з оливково-зеленим кольором, який отримав назву хакі.

Тенденція до мінімалізму та головний символ десятиліття

У 1960-ті стала вельми поширеною одяг з еластичних тканин. Думка про те, що мати в гардеробі багато речей незручно і що жінки цілком зможуть обходитися всього декількома базовими моделями, відвідувала модельєрів ще в 1930-х і 1940-х роках. Клер Маккарделл в 1934 році запропонувала змінити всю різноманітність фасонів і моделей на кілька основних елементів, а на початку наступного десятиліття вона першою створила леотар - трико довгими рукавами- І зробила його основою образу. Базовими речамигардероба модельєр вважала чорну водолазку та колготки. По-справжньому популярною ідея комбінації кількох простих речей стала у шістдесяті, коли жінкам пропонувалося мати у гардеробі лише топ, жакет, спідницю та штани.

Зведення кількості одягу до мінімуму в цей період стало можливим завдяки появі еластичних тканин. У 1960-х модельєр Джорджіо ді Сант-Анджело почав шукати нові способи створення тканин. Він працював із вовною та акриловою ниткою, а також винайшов еластичний шовк, який міг розтягуватися у будь-якому напрямку. З еластичного шовку та лайкри шилися і купальники, і вечірні топи. Художник по костюмах Жак Фонтерей у 1968 році писав: "Я впевнений, що трико або один з його різновидів стане основним елементом одягу майбутнього". Фонтерей мав рацію: саме еластичні моделі 1960-х послужили основою для створення сучасного одягу- від спортивних костюмів до вечірнього вбрання.

1960-ті стали черговим десятиліттям, яке повністю змінило уявлення про стандарти. жіночої краси. Якщо після війни модельєри орієнтувалися на матерів сімейства та жінок з формами, то в шістдесяті до моди знову увійшла андрогінність, а символом нових стандартів привабливості стала знаменита. Худорлява дівчинка-підліток з наївно розкритими очима з'являлася на обкладинках провідних глянцевих видань, а дівчата по всьому світу стали дотримуватися жорстких дієт, бажаючи бути схожими на свого кумира. Твіггі стала першою моделлю, чий образ втілював ідеали десятиліття, модельєри створювали одяг худих дівчатз хлопчачими фігурами. У модних журналах та на плакатах вона з'являлася у міні-спідницях та сукнях від Мері Квант і втілювала "ляльковий" стиль, надзвичайно популярний у 1960-х. Поряд із шанувальниками у Твіггі були і недоброзичливці - багато журналістів називали її болісно худою і "голодною" дівчинкою, проте це не завадило поширенню моди на андрогінність - у шістдесяті чоловіки часто ходили з довгим волоссям, а молоді жінки віддавали перевагу короткі стрижкита сукні-міні, таким чином висловлюючи небажання дорослішати.

Гучні дебюти 1960-х

Шістдесяті стали початком геніальної кар'єри, який голосно заявив про себе вже на початку десятиліття. 1957 року, після смерті Крістіана Діора, 21-річний Сен-Лоран зайняв місце креативного директора Будинку Dior. Проте вже 1960 року юний модельєр створив свою останню колекцію для бренду: керівники Dior вирішили, що молодий дизайнер не має права нав'язувати шанувальникам високої моди вуличний стиль, і розпрощалися із Сен-Лораном. Через два роки кутюр'є випустив першу колекцію під власним ім'ям, для якої створив двобортний блейзер із золотими ґудзиками та шовкові штани. Пізніше сам модельєр та багато інших дизайнерів використали цю модель.

Ів Сен-Лоран був одним з перших модельєрів, які не побоялися створювати революційний одяг у стилі оп-арт та поп-арт, а також запропонував смокінг для жінок та вбрання у стилі "Африка" та "Сафарі". Він сміливо поєднував найяскравіші кольори, яскраво-рожеву сукню доповнюючи канарковим піджаком, комбінуючи чорний із коричневим, помаранчевий із червоним та фіолетовий із синім.

Ще один гучний дебют десятиліття – поява у світі моди італійського "шейха шику" Валентино Гаравані. Здобувши освіту в Парижі, наприкінці 1950-х він повернувся до рідної Італії, де відкрив Будинок мод, що явив світові фірмові червоні сукні, що стали легендарними. Яскраві сукністали "візитною карткою" Гаравані, а у червоного кольору дизайнер розрізняв тридцять відтінків. Гучний міжнародний дебют Валентино відбувся у 1962 році, а у 1968-му вийшла його знаменита "біла колекція", що повністю складається з речей білого кольору. Тоді ж модельєр уперше використав логотип "V". Жіночі плаття від Валентино стали символами розкішного життя, і зірки Голлівуду завалювали кутюр'є замовленнями. У 1968 році мереживне платтявід Гаравані, в якому виходила заміж за Арістотеля Онассіса, потрапило на сторінки майже всіх провідних видань.

Сьогодні можна знайти найрізноманітніші вбрання, що відрізняються за фасоном, стилем, кроєм і забарвленням. Але одні з найдивовижніших, мабуть, ті, що створені в стилі оп-арт.

Історія оп-арту

Як модний напрямок оп-арт в одязі з'явився на межі 50-х — 60-х років минулого століття і став однією з новинок того часу. Назва ця скорочена, вона повністю вимовляється як «optical art» і перекладається з англійської мовиу буквальному значенні слова – оптичне мистецтво.

Його суть полягає в тому, що за допомогою геометричних фігур, що багаторазово повторюються, створюється ефект об'єму або руху на абсолютно плоскій поверхні. Ми вже давно знайомі з такими малюнками, але ніколи не думали, як вони називаються.

Спочатку опарт використовувався художниками. І, згідно з історичними даними, основоположником його став Віктор Вазарелі, який намалював у 1938-му році свою легендарну картину «Зебри».

Першими, хто вирішив використати ілюзію у тканинах, стали американські дизайнери. Завдяки новому підходу вони змогли створювати такі вбрання, що візуально «вирівнювали» фігуру, роблячи груди і стегна більш виразними, а талію тоншою.

Одним із них став Ів Сен Лоран, який використовував великі та у коктейльних сукнях на осінь-зиму 1965-1966 року. У наші дні оп-арт повернувся завдяки Vogue, що опублікував фотозйомку «Op position» у 2001-му році, де використовувалися саме оптичні принти.

Сучасні художники здатні створити такі малюнки, що ходять хвилями під нашим поглядом чи змінюють свою форму. Хоча якщо придивитися, то начебто все залишилося, як було і в той же час, знову, здається, щось змінилося. Цікавий підхід треба сказати.

Оп-арт у наші дні

Висока мода ніколи не стоїть осторонь подібних нововведень, а тому оп-арт в одязі можна було знайти як минулого року, так і цього року. Причому він регулярно знаходив своє застосування у безлічі колекцій від найвідоміших марок. Так, геометричні форми припали до душі брендам Олександр Маккуїн, Ганна Суї, Роберто Каваллі, Ів Сен Лоран, Кліменс Ріб'єро, Топ Шоп та багато інших.

Вони широко використовували ромби, трикутники, косі та прямі лінії, а також плавні малюнки кольорів та просто абстрактних форм. З приводу кольору, головним правилом тут виступає поєднання контрастних та яскравих кольорівТак що одяг у цьому стилі ніяк не може бути сірим і непримітним. Найголовнішими відтінками, звичайно, виступають чорний і білий. З них можна скласти найнеймовірніші варіації.

У сезоні осінь-зима 2012-2013 вбрання цього стилю можна було побачити в роботах Rochas, Prada, Versus та Miu Miu. А чого тільки варто подивитися на весняну колекцію одягу від Louis Vuittonна 2013 рік, де головним малюнком став із використанням чорних, білих, жовтих, зелених, коричневих та інших яскравих кольорів.

Правила вибору одягу в стилі оп-арт

Купуючи одяг у стилі оп-арт, треба розуміти, що з його допомогою можна досягти досконалішого вигляду. Так, затемнені лінії вздовж боків, візуально роблять жінку стрункішою, а горизонтальні лінії по всій довжині сукні, можуть перетворити худу дівчину з маленьким бюстом на досить виразну красуню. Так само вертикальні малюнки дозволяють здаватися вище.

Дуже добре використовувати цей одяг і для повненьких дівчат. Вона може бути виконана французьким способом, який спрямований на підкреслення основних переваг фігури, або російським способом - покликаним приховувати недоліки.

Але, формуючи свій образ з таких нарядів, потрібно бути гранично обережним, щоб виглядати красиво, а не помітно і непоказно. Для цього слід враховувати, що за наявності костюма, в якому і верх і низ містить так звані психоделічні принти, аксесуари потрібно вибирати монотонні і якомога спокійніші. До всього цього також підійде клатч однотонного кольору та таке саме взуття.

За бажання можна навіть поєднувати два різні геометричні принти, головне, щоб у них була одна колірна гама або однакові форми малюнків. Однак цілком можливо поєднати оп-арт і з іншими малюнками - анімалістичними або квітковими. В останньому випадку важливо, щоб один із них був домінуючим, а інший доповнюючим.

Ось такий цікавий напрямок, якому обов'язково потрібно приділити увагу, якщо є бажання виглядати красиво та незвично.

"Чим шаленіша - тим краще!"

Мабуть, найекстравагантнішим напрямом моди 1960-х став космічний стиль. У 1961 році і це вплинуло не тільки на розвиток науки, але і на моду. Дизайнери були натхненні новими перспективами та стали створювати химерні, "інопланетні" моделі. Першопрохідцем у "космічній моді" був дизайнер Андре Курреж, шанувальники якого носили місячні черевики та сонцезахисні окуляри у формі тенісних м'ячів. Курреж створював короткі, схожі на дитячі, сукні, прикрашаючи їх блискучими паєтками та незвичайними аксесуарами.

Мода на синтетичні волокна плавно переросла у тенденцію створювати одяг з матеріалів, що раніше використовувалися в зовсім інших цілях. Дизайнери експериментували з матеріалами, що виготовлялися для космічних скафандрів, спортивного одягу та військової форми. Моделі дефілювали за подіумами в одязі з вінілу та дакрону, який на тлі консервативної паризької моди попередніх десятиліть виглядав надоригінально і навіть революційно. Ексцентричність запропонованих дизайнерами нарядів вважалася плюсом - для багатьох 1960-ті пройшли під девізом: "Чим божевільніше - тим краще!". Поряд із "пластиковою" та "вініловою" тенденцією в цей період у світі моди протікав і "паперовий бум".

Вловивши нову тенденцію у масовому виробництві, паперові моделі стали створювати і дизайнери. "Паперовими кутюр'є" журналісти та публіка охрестили Елізу Деббс та Гаррі Гордона, які випускали сукні по три долари за штуку. Проте не всі дизайнери були настільки демократичні – найчастіше ціни на паперові моделі могли зрівнятися з кутюрними вбраннями. У Нью-Йорку, на Медісон-авеню відкрився бутік "Парафеналія", де продавався супермодний пластиковий та паперовий одяг. "Той, хто з пафосом ставиться до одягу, огидний. Адже це лише одяг. Вона повинна бути смішною, її не можна сприймати серйозно", — озвучив настрої в молодіжному середовищі один із засновників "Парафеналії" Пол Янг, співзасновником культового бутіка був.

Мистецтво у моді

Якщо вплив кінематографа на моду відчувалося і в попередні десятиліття, то живопис проник у фешн-індустрію якраз у шістдесяті. Ще однією течією, яка знайшла широке відображення у масовому одязі, став стиль оп-арт. Картини, виконані в цьому стилі, будувалися на світлових ефектах та контрасті чорного та білого кольорів. Тенденція висловлювати людські почуття з допомогою оптичних ефектів виникла 1950-х, а повсюдне поширення набула вже у середині 1960-х. Чорно-білі контрастні полотна найчастіше викликали у глядачів запаморочення, а модельєрів стиль оп-арт приваблював графічною простотою та новизною. Зазвичай подібні моделі одягу були простого крою, що, зрештою, з лишком компенсувалося зображеними на тканині спотвореними геометричними фігурами, стилізованими колами та монохромними спіралями та смугами. "Нова хвиля малюнку на тканині отримала назву оп-арт. Основою дизайну стають сучасна архітектура та живопис. Від романтизму не залишилося і сліду", - писав у 1966 році журнал Neue Mode.

"Радикальний шик" та стиль субкультур

Відмова від стилю леді та всіх тенденцій, популярних у попередні десятиліття, призвела до найяскравішого та наймасовішого руху другої половини шістдесятих – хіпі. "Діти квітів", які пропагували любов і світ, незгодні з політикою своїх держав одягалися в екзотичний одяг, привезений з інших країн: американське пончо, індійські туніки і головні убори ескімосів. Яскраві та рясно розшиті вбрання хіпі доповнювали масивними прикрасами – переважно індійськими браслетами та поясами. Філософія хіпі стала настільки популярною, що багато модельєрів констатували занепад функціоналізму. "На відміну від романтичного стилю і стилю ар-нуво, фольклорний і спортивний стилі разом зі строкатим мексиканським одягом користуються сьогодні надзвичайним успіхом", - писав журнал Neue Mode. Незвичайні, яскраві та привабливі індійські мотиви захопили у 1960-і всю Європу та Америку, а молодь тепер носила куртки "єті", строкаті спідниці, розкльошені штани, турецькі шаровари, розшиті сорочки та шуби з довгого хутра. Незважаючи на те, що самі представники субкультур скептично ставилися до моди, глянсові видання писали про те, що новий стиль заслуговує на пильну увагу і здатний зробити серйозний вплив на фешн-індустрію.

Наприкінці десятиліття яскравий психоделічний одяг зі штучних матеріалів відійшов на другий план, а справжнім хітом став стиль мілітарі. Використання військових речей у повсякденному житті теж було своєрідним протестом, що пішов за протестами 1968 року, що прокотилися Європою: так молодь намагалася надати одягу, призначеному для битв, мирний характер. Камуфляж із грубими латками прикрашали символами світу, спідниці та туфлі у стилі мілітарі прикрашали у червоний та рожевий кольори. Такий одяг носили представники різних субкультур, а особливо популярні були куртки великих розмірів із символами повітряної авіації США. Тоді ж модельєри почали експериментувати з оливково-зеленим кольором, який отримав назву хакі.

Тенденція до мінімалізму та головний символ десятиліття

У 1960-ті стала вельми поширеною одяг з еластичних тканин. Думка про те, що мати в гардеробі багато речей незручно і що жінки цілком зможуть обходитися всього декількома базовими моделями, відвідувала модельєрів ще в 1930-х і 1940-х роках. Клер Маккарделл у 1934 році запропонувала змінити всю різноманітність фасонів та моделей на кілька основних елементів, а на початку наступного десятиліття вона першою створила леотар – трико з довгими рукавами – і зробила його основою образу. Базовими речами гардеробу модельєр вважала чорну водолазку та колготки. По-справжньому популярною ідея комбінації кількох простих речей стала у шістдесяті, коли жінкам пропонувалося мати у гардеробі лише топ, жакет, спідницю та штани.

Зведення кількості одягу до мінімуму в цей період стало можливим завдяки появі еластичних тканин. У 1960-х модельєр Джорджіо ді Сант-Анджело почав шукати нові способи створення тканин. Він працював із вовною та акриловою ниткою, а також винайшов еластичний шовк, який міг розтягуватися у будь-якому напрямку. З еластичного шовку та лайкри шилися і купальники, і вечірні топи. Художник по костюмах Жак Фонтерей у 1968 році писав: "Я впевнений, що трико або один з його різновидів стане основним елементом одягу майбутнього". Фонтерей мав рацію: саме еластичні моделі 1960-х послужили основою для створення сучасного одягу — від спортивних костюмів до вечірнього вбрання.

1960-ті стали черговим десятиліттям, яке повністю змінило уявлення про стандарти жіночої краси. Якщо після війни модельєри орієнтувалися на матерів сімейства та жінок з формами, то в шістдесяті до моди знову увійшла андрогінність, а символом нових стандартів привабливості стала знаменита. Худорлява дівчинка-підліток з наївно розкритими очима з'являлася на обкладинках провідних глянцевих видань, а дівчата по всьому світу стали дотримуватися жорстких дієт, бажаючи бути схожими на свого кумира. Твіггі стала першою моделлю, чий образ втілював ідеали десятиліття, модельєри створювали одяг для дуже худих дівчат з хлопчачими фігурами. У модних журналах та на плакатах вона з'являлася у міні-спідницях та сукнях від Мері Квант і втілювала "ляльковий" стиль, надзвичайно популярний у 1960-х. Поряд із шанувальниками у Твіггі були і недоброзичливці - багато журналістів називали її болісно худою і "голодною" дівчинкою, проте це не завадило поширенню моди на андрогінність - у шістдесяті чоловіки часто ходили з довгим волоссям, а молоді жінки надавали перевагу коротким стрижкам і сукням-міні, таким чином висловлюючи небажання дорослішати.

Гучні дебюти 1960-х

Шістдесяті стали початком геніальної кар'єри, який голосно заявив про себе вже на початку десятиліття. 1957 року, після смерті Крістіана Діора, 21-річний Сен-Лоран зайняв місце креативного директора Будинку Dior. Проте вже в 1960 році юний модельєр створив свою останню колекцію для бренду: керівники Dior вирішили, що молодий дизайнер не має права нав'язувати шанувальникам високої моди вуличний стиль, і розпрощалися із Сен-Лораном. Через два роки кутюр'є випустив першу колекцію під власним ім'ям, для якої створив двобортний блейзер із золотими ґудзиками та шовкові штани. Пізніше сам модельєр та багато інших дизайнерів використали цю модель.

Ще один гучний дебют десятиліття – поява у світі моди італійського "шейха шику" Валентино Гаравані. Здобувши освіту в Парижі, наприкінці 1950-х він повернувся до рідної Італії, де відкрив Будинок мод, що явив світові фірмові червоні сукні, що стали легендарними. Яскраві сукні стали "візитною карткою" Гаравані, а у червоного кольору дизайнер розрізняв тридцять відтінків. Гучний міжнародний дебют Валентино відбувся у 1962 році, а у 1968-му вийшла його знаменита "біла колекція", що повністю складається з речей білого кольору. Тоді ж модельєр уперше використав логотип "V". Жіночі плаття від Валентино стали символами розкішного життя, і зірки Голлівуду завалювали кутюр'є замовленнями. У 1968 році мереживне плаття від Гаравані, в якому виходила заміж за Арістотеля Онассіса, потрапило на сторінки практично всіх провідних видань.